又一日本设计师，与中国品牌推出联名产品了

2024-04-21 03:15:01装修宝典014

又一日本设计师，与中国品牌推出联名产品了,第1张

又一日本设计师，与中国品牌推出联名产品了
导读：提及日本著名的室内设计师大家之一会想起的很有可能会是原研哉、葛西薰、深泽直人、佐藤大、佐藤可士和她们可谓是占有了日本设计方案的江山半壁在其中佐藤可士和也是在日本现如今广告宣传业内与设计方案业内的杰出人物，著作应有尽有，跨足广告宣传广告设计、

提及日本著名的室内设计师大家之一会想起的很有可能会是原研哉、葛西薰、深泽直人、佐藤大、佐藤可士和她们可谓是占有了日本设计方案的江山半壁在其中佐藤可士和也是在日本现如今广告宣传业内与设计方案业内的杰出人物，著作应有尽有，跨足广告宣传广告设计、设计产品、室内空间设计，被称作“可以推动市场销售的设计方案魔法师”，其简易、自主创新并颇具视觉效果威慑力的著作，一再为企业形象及产品营销推广明确提出新的很有可能。近期他不但上海市开始了平行面精粹展还与一公司搞起来了联名鞋OLO我乐×佐藤可士和而“OLO我乐”这一品牌是中国近些年逐渐兴起的原_品牌家居其logo也十分简约选用简约人性化含有倾斜度的定距字母字体图型展现“L”一部分提取了“o”左下一部分总体图型十分简约统一而本次佐藤为我乐设计方案了一个具有知名品牌特性的视觉效果标记「OLOmonogram」图案设计从名字“OLO_Circle”中获取简单化而成将“OLO”开展再次排列与组合三个字母互异，但又彼此之间相握打造一款简约、美观大方、新潮的设计风格图案设计也十分切合我乐知名品牌的设计构思OLOMonogram设计风格演译全过程我乐家居x佐藤可士和联名鞋新产品发布会宣传海报则将这一种反复的方式图型开展深层次生产加工展现出一种立体式与渐变色质感的设计方案而且这一次的联名鞋协作也踏入了本次佐藤可士和上海市平行面精粹展中变成了在其中12个代表作品之一而这个图案设计LOGO可能在新产品「序界」中应用，事后运用到知名品牌的厨柜门、木饰面板、橱柜台面、柜身、实木护墙板等不一样情景上图标运用实际效果这名来源于日本的设计方案达人以前的众多著作也变成了设计圈赞叹不已的榜样实例如大家熟识的被他扭转局势从债务缠身中拯救回家的优衣库品牌

7-Eleven7-11「日清食品类日本关西加工厂」导视系统设计

国立大学新艺术馆LOGO *** ap视觉传达设计SamuraiIncubate武士孵化器麟麟聚氨酯发泡酒大家都知道，前不久小米花200万请原研哉操刀设计新LOGO的事情

闹得各大网站议论纷纷，而这一次佐藤与我乐的协作也可能成为日本设计大咖在中国的另一 *** 热点设计方案话题讨论。那_而言说，那大家感觉这一图案设计如何呢？

原文链接： Decoding the Design History of Your Coffee Cup Lid

设计师Louise Harpman和建筑师Scott Specht都是咖啡鉴赏家，但可能并不是你想的那样。他们喜欢咖啡杯盖甚于杯中的饮料。他们有世界上更大的一次性咖啡盖收藏。

咖啡杯盖看似是平凡的一项发明，完全融入了现代生活，很容易被忽略。但也正如Harpman与Specht合著的新书中所述的那样，这些物品背后有着迷人的设计故事。

在二十世纪中期，随着汽车和快餐店的普及，有一种热饮的顾客遇到了问题：他们无法通过盖子喝到饮料。因此，这些咖啡爱好者们变成了DIY设计史，通过剥离小片的聚苯乙烯，创造了之一个能喝到咖啡的盖子。从那以后，设计师们创造了一系列的咖啡杯盖来解决这个简单的问题。Harpman和Specht通过收藏品，整理出了杯盖的分类，这是根据液体是如何被饮用者接触，捏，折叠，刺孔等。根据这些特点，Specht写过一篇文章，“咖啡杯盖的野外指南”，可以观察那些早期野性的杯盖。

Q:什么时候开始收集咖啡杯盖的呢？

Harpman:上世纪八十年代的时候，我上大学，观察到北美的城市开始饮用塑料咖啡。边走边喝成为了一种常见的活动，我开始注意到不同的咖啡店使用不同的盖子。我注意到一个新的盖子时，就会买一个。其中的魅力就是-观察这些设计是如何与行为紧密的连系在一起。

Specht:起初我并没有注意到自己积累起来了我只是觉得这些东西漂亮，当我注意到时，我收集的咖啡杯盖比其他东西都多，并了解如何解决咖啡洒溅的问题。人们会好奇为什么有这么多类型的盖子。

我也一直沉迷于“设计泡沫”-在短时间内，物品的快速进化过程。

牙刷遵循了类似的曲线，从简单的商品，到正式的产品，不同的握柄，毛刷，效率程度等等。随着我们的收集量的提升，我们可以看到类似的现象在咖啡杯盖上也有发生。

Q:告诉我你们是如何对杯盖进行分类的，以及如何开始的？

H:如果你喜欢收集一类东西，那么就会有一个清晰的筛选原则，然后归类为“所喜欢的”那样。

S:大致上是按照时间的顺序分类的。最初的盖子是自制的，简单的，扁平的。人们会从侧边撕开一个口，这是最早的撕开的盖子，在这个过程中，撕裂的过程会造成穿孔，挤压，成为了最后的造型。在80年代后，出现了专门设计的饮品盖子，来丰富这种体验。这个时代出现了很棒的方案，像是“捏”和“穿孔”的变形，不过现在很少了。“褶皱”是一个更优秀的 *** ，符合人体工程学对嘴唇的匹配，椭圆形的槽口成为了设计的标准。

Q:你认为咖啡盖的下一步发展是什么？

H:嗯，现在的设计已经改变了，出现了适合泡沫饮料的类型，为了让拿铁爱好者满意。另一个趋势就是新材料的引进，我们看到了更多的可降解材料，和热变色材料，通过颜色反映饮料的温度。

S:如果未来将 *** 通过光电池与盖子连接我们看到了更多雕刻成装饰的盖子，改变颜色的杯盖，还有增加香味的杯盖。

Q:你希望与世界分享收藏吗？

H:我希望人们能体会到快乐。看看我们周围的事物，咖啡是现代奇迹，放慢我们的生活，花时间去思考，欣赏，对微小的事物感到惊奇。

S:看到相似而不相同的物品，就会激发人们的好奇，试图去了解有哪些不同，是为什么产生这些差异，我们收集物品，源于一个简单的共同兴趣。这就是一种令人着迷的亚文化，试图解决一个问题，通过怪诞，反直觉的方式。这些杯盖有故事，我认为是值得分享的故事。

Q:收藏中，有哪款是最喜欢的？

H:最喜欢的只有一个吗？那不可能，它们都有自己的个性。

S:我喜欢一些疯狂表现的元素，Philip Lid就是一个例子，它不仅是一个复杂的设计，还有一个内部的通风口和通道，而且只能与Philip Cup一起使用。这样严苛的使用场景，并不能吸引咖啡店的老板来采购。

　理查德·基诺里(Richard Ginori，意大利)

　凯撒大帝曾经说过，"我来，我见，我征服"寥寥几个字背后，是古罗马帝国横扫整个欧亚大陆的辉煌，他征服了所有能够到达的土地。甚至直到今天，还有人对古罗马的荣耀如痴如醉。

　而意大利，不仅拥有能够征服世界的凯撒大帝，还有另一个征服历史的光辉品牌，理查德·基诺里。如果凯撒大帝用铁与血征服了整个欧洲，那么，理查德·基诺里就是用土与火征服了世界。

　在马可波罗将瓷器传入欧洲后，瓷器就成为只有上层贵族才能享用的"白色金子"。基诺里家族在14世纪就是意大利佛罗伦萨的名门望族。

　十八世纪时，这个家族的卡罗·基诺里侯爵在意大利佛罗伦萨兴建瓷窑，终于发现了使泥土变成"白色金子"的 *** ，成为了意大利瓷器产业的奠基人，意大利最古老的瓷器品牌——之一名瓷——"理查德·基诺里"陶瓷由此诞生。

　今天，古罗马帝国已经湮灭在滚滚洪流之中，理查德·基诺里却用那隽永的白色黄金在时光深处为我们照亮了一个时代。

　皇家哥本哈根(Royal Copenhagen，丹麦)

　丹麦首都哥本哈根是童话中的宫殿，又是时尚运动之胜地。它古老而不守旧，繁荣而不浮华，欢乐而不令人烦恼，纵容而不失去控制。理性和欢乐之感主宰着一切。

　皇家哥本哈根瓷器是由丹麦皇后茱莉安·玛莉于1775年5月1日在哥本哈根创立。标志上的皇冠代表皇家御用的无上权威，三条波浪线则代表围绕丹麦的三个海峡。

　在1790年，皇家哥本哈根制造了现在出名的丹麦之花。1868年瓷器作坊转为民营，但皇家哥本哈根仍是享有极高声誉的品牌。

　迈森(Meissen，德国)

　在1710年诞生的迈森是欧洲瓷器业的鼻祖。迈森自诞生以来就受到贵族的追捧，是财富和地位的象征。早在13世纪，欧洲贵族就对中国瓷器视若珍宝。

　据记载，当时萨克森公国选帝侯奥古斯特二世曾用一队骑兵和波斯商人换过48件中国瓷花瓶。但奥古斯特二世并不满足把瓷器当艺术品收藏。他将炼金师贝德卡抓进皇宫，让其仿制中国瓷器。

　经过无数次试验，贝德卡终于解开了中国瓷器的秘密。 1708年一个寒冷的冬天，他成功烧制出一种白而透明的瓷。1710年迈森国立瓷器制造厂成立，成为欧洲之一家瓷器 *** 厂。

　之后相当长一段时期内，整个欧洲瓷器制造业都受迈森瓷器风格的影响。经典名作Blue Onion至今备受追捧，白底上以钴蓝颜料描画，并采用中国烧釉技术，十分精美高雅。

　因为特别爱这款蓝洋葱款，基于好奇我去查为何欧洲人要画洋葱呢

　盘子团中萌萌的椭圆形，就是蓝洋葱。看起来是不是很眼熟没错，就是模仿的我国著名的青花瓷画风研制出来的。

　但是为什么会是洋葱呢让我痛(拼)心(命)疾(忍)首(笑)地告诉大家一个残(蠢)酷(萌)的真相：其实当中国的青花瓷出入欧洲的时候，我们画的当然是多子多福的`石榴，没错，欧洲人搞错了，他们一定认为这个是洋葱，最后Meissen也放弃了抵抗，开始画洋葱。

　赫伦德(Herend，匈牙利)

　赫伦德在 1826年创立于赫伦德村,是匈牙利国宝级手绘瓷器、世界三大手绘瓷器之一。赫伦德创立的19世纪之前,来自中国,日本瓷器早已风靡各国,而后于德国,英国等,更已发展出现今遐尔闻名的欧洲名瓷品牌。

　以细腻的笔触于华丽多彩的蝴蝶花朵图腾赢得金牌殊荣,也让当时英国的统治者维多利亚女王直接下整组订单,并使赫伦德名声大噪,后来品牌特意以女王之名命名,使维多利亚系列成为品牌更受欢迎的经典系列。

　后来,参与1867年的巴黎世界博览会,鲜绿手绘的印度花系列又让法国统治者拿破仑三世的妻子约瑟芬一见倾心,并在皇宫晚宴中使用搏得一致好评。

　其他皇室所下的订单也是络绎不绝,之后在世界博览会和其他重要展览会屡获大奖,原因在于其品牌的独特性,讲究百分之百纯手工手绘的每一件作品,手绘技法变化多端,设计融汇中西文化,赫伦德每件作品的每一个细节，都要求谨慎。

　即使是最小的一件作品，也至少要经过十七双手的精雕细琢。其瓷器餐具因为多层次的手绘技法，而拥有各式各样明亮耀目的色彩,题材上则深深受到古典欧洲与中国风格的影响，时至今日赫伦德的表现一直有目共睹。

　则武(Noritake，日本)

　幕府末期，时局动荡。当时作为御用商人的森村市左卫门目睹了国门开放后大量黄金流向海外，受到西洋学者福泽谕吉的启发——"要想夺回财富，必须得从出口贸易中赚取外币"。

　1904年森村市左卫门创立了"Noritake"的前身"日本陶器合名会社"，在爱知县鹰场村大字则武(现为名古屋西区则武新町)地区建起了拥有现代化设备的大型生产工厂。直到10年后的1914年终于 *** 出日本之一套西式餐具。

　则武一直坚持日式风格，并在纽约设立了绘图设计部门，之一时间把美国人的喜好和流行元素反映到自己所销售的陶瓷器上，以应对广大消费者的需求。

　然后，又融入"新艺术"、"日本风格"等不同美术形式的设计，在日本按设计要求生产出原汁原味的产品。由此，经日本工匠们巧夺天工般的装饰和手绘的商品赢得了美国人的好评，则武的受欢迎程度和地位也扶摇直上，成为世界知名的品牌。

　鸣海(Narumi，日本)

　鸣海自古以来就是著名的陶瓷产地。早在江户时代初期，鸣海的村落就开始烧制鸣海烧。到了幕府末期，鸣海各地出现了许多烧制陶瓷的作坊。直到1911年，Narumi 的前身"Imperial Seito" 在日本名古屋创立。

　二战后，日本随处可见残垣断壁，战争的残酷使家破人亡的故事时刻上演。从前生活精致考究的日本人一瞬间过起了颠沛流离的日子，甚至连一家团聚用餐都变为很奢侈的梦想。对于传统的日本人而言，一个"幸福的饭桌"就是安乐静好生活的象征。

　当时的 Narumi 即是抱着为国人重新创造完美餐桌文化的信念，开始致力研发精美的骨瓷产品，希望看到围坐在餐桌旁的一家人甜蜜幸福的情景。凭着精湛的技术和严密的管理，Narumi 成为了日本首家成功批量生产骨瓷餐具的企业。

　不仅如此，还首次将完美的日本骨瓷文化传递到了美国。时至今日，这个理念始终没有改变，创造幸福的初衷经过了近一百年被完好的传承了下来。如今Narumi秉承传统技艺，以更先进的技术手段致力于骨瓷产品的研究开发，更好的传承骨瓷文化。

　威基伍德(Wedgwood，英国)

　威基伍德是由被尊为英国陶瓷之父乔赛亚·威基伍德于1759年创立，开始生产以威基伍德为名的瓷器。乔赛亚在品牌创立初期发明乳白瓷器，为威基伍德带来丰厚的利润，美丽的外观与具有竞争力的价格，促使威基伍德乳白瓷器成为市场上的热销商品，也是英国瓷器史上的一大成就。

　在中国，最早由乔治·马嘎尔尼代表英皇在1793年，以贺乾隆帝80大寿为名出使中国，并献上威基伍德花瓶作为寿礼之一赠与乾隆皇帝。

　从 1759 年创立至今的250余年历史中，威基伍德已经成为世界上更具有英国传统的陶瓷艺术的象征，并且如同民族遗产一样受到来自各方面的敬重，并因为它的品质优良、设计精美，一直作为英国皇室的御用瓷器提供商，英国女王伊丽莎白二世及其子查尔斯王子先后给予威基伍德皇室供应商的认证徽。

　明顿(Minton，英国)

　明顿由托马斯·明顿等人在1793年创立。曾被维多利亚女皇誉为"世界上最美丽瓷器的制造者"。自推出以来，广受王室喜爱，就连拿破仑都在他的日记中提到他有几套明顿的茶杯。

　第二次世界大战后。明顿推出的哈顿庄园系列，主题取材于英国中世纪哈顿庄园的壁画及花毯，现已成为明顿瓷器的代表作。至今，明顿瓷器仍被全世界的英国大使馆所使用。

上周末与好友去PSA

逛了个好展

得知一位优秀的日本产品设计师

兴奋之余

全面网罗搜集了关于他的系列设计作品

了解与分析之后

介绍给大家

日本设计师

山中一宏

Kazuhiro Yamanaka

敏感又前卫

简洁又富有哲学情感

他用作品向我们诠释了

一位国际级别的设计师

所必须具备的设计准则：

“

内容先于表象，人文先于形式。

”

现在

让我们通过阅读他的作品

来深入了解“山中一宏”这个人

— 他说他想拥抱月亮 —

便携月亮

collapsible moon

这是一个放在房间的“月亮”。

这一圆形灯巧妙地运用了摄影反光板的结构，使其能够收放自如。发光的led灯带内嵌其中，展开的圆形灯板如同满月一般。

光的颜色可以通过led进行调节，以获得别样的色调和氛围。满足从“强光”到“弱光”的多频需求。

拥有它的同时，你会变成一枚合格的“赏月人

— 他说他想唤起雨天的记忆 —

雨天

rain day

这盏灯发出的光亮与地面形成的倒影像极了雨后的街道，凹陷处变成水坑的场景。这是设计师喜欢的情景，它倒映出日光、月光以及这座城市的一切。

这盏灯既适用于地面也适用于墙面，它所配备的8米电线，使其易于移动，你可以根据你每天不同的喜好，不断改变它的位置。

“

山中一宏注重设计的主体，更注重设计主体之间的“间”性，并利用主体之间的关系去创造故事。这种 *** 使他的产品更像是空间中的一个活生生的角色，而不是简单的塞满空间的物。

”

— 他说他不喜欢灯罩一尘不变 —

手帕灯

Handkerchief Light

山中一宏将一个标准的LED灯灯泡安置于一张聚丙烯材质的狭缝中。也正是这枚灯泡为这张聚丙烯起到了固定的作用。如果摘掉灯泡，材料会自动恢复平整。山中一宏总是在和材料做一些游戏，试图寻找材料在自然状态中最有趣的呈现方式。

远看，手帕灯就像一个个正在高速旋转的飞碟。

— 他说他想看下午五点的伦敦 —

下午五点的伦敦

Londonat 5 pm

“一说起伦敦，人们会想到多云的天气。但是透过云的光是很美的。” ——山中一宏。

这款”防火棉“是专业技术公司开发的，完全防火，主要用于消防员的外套设计。

在防火棉里面放入灯泡，它已经不仅仅是作为”灯“而存在了。

这样艺术的作品都不好意思归类于照明设计，怎么也得是个发光装置的定义。这款高大上的装置在伦敦日本大使的家里安装了一个，首尔的设计博物馆也装了一个。

— 他说他想让灯变得更单纯一点 —

只是一弯纸月亮

it's only a paper moon

整个灯只由三部分组成：一个木头夹子，一张纸，和一个灯泡。使用时将纸卷成一个圆筒，用夹子夹住，罩在灯泡周围即可。

为了保持整体中雷平衡，吊灯经过精心设计。

你可以使用任何材料、形状和颜色的纸当做灯罩，从而获得不同的照明效果。

— 他说要给灾区带去光明与希望 —

纸手电

paper LED torch light

这个手电筒仅由一带切口的纸与一枚电池驱动的led组成。

光源被附在纸的一面，两枚纽扣电池被附在其反面。

设计稿

它的神奇之处在于：

当把纸卷起来的时候就会自动变成手电筒，LED灯自动亮起，放开成一张纸光线自动切断。

直指人心的人文关怀：

日本大地震后，体育馆之类的避难所照明很差，大家只能在黑暗里生活。山中一宏，设计的这件“纸手电”为灾民们带去了光明与希望。

别看这个LED灯身材小，它所采用的是自行车头灯的光，所以它的亮度其实非常高。在自然灾害之后，这种简单易用、成本低廉的产品高效地解决了人们生活中的照明问题。地震地区运输极其困难，而这个纸手电摊开来，一个箱子可以装300只。

山中一宏的关怀，不仅体现在便捷高效的功能考虑上，而且还体现在直指人心的精神的支持上。在日本海啸灾难期间，他设计一个募捐箱，这个募捐箱是一个直径约有2米的红色正圆，由三层亚克力板组成，中间有空间可以储存硬币，在上方设计有放进硬币的口子。这件作品的尺度超大，悬挂在天花板上非常惹眼，灾民们远远就可以看到国旗中的红色圆冉冉升起。山中一宏的设计为灾民们带来信心与希望。

— 他说他想让你体验宇宙的持续 —

黎明与黄昏的刹那

approach of dusk and dawn

这款灯具最特别的地方在于它的材料

灯罩表面采用表面略有起伏的'柱面透镜膜",它本身是蓝色的，连接电源后，当你围绕对象移动时，会看到灯罩的颜色会从在“蓝”与“白”之间不断产生变化。

它模拟了大自然在“黎明”与“黄昏”的瞬间人们抬头在天空中看到的颜色。即使在室内，也能营造一种宇宙持续活动的现象。

没有废话的设计手稿

设计师设计 *** 中

另一款相似的灯具设计：

灯与影

Light & shadow

“Light & shadow”利用了相同的材质，塑造了一款极富造型诗意的灯具。

灯具的底座打造成了灯罩的影子，斜置的灯身为这款灯的重力美学提供了最完美的诠释。

— 他说要让你体验身处云端 —

云之声

sound cloud

这款发光的“量子玻璃扬声系统”是为“saazs”的玻璃工厂做的项目设计。该结构是由五个互动单片玻璃板组成，

“sound cloud”可以通过换档的方式发出声音与光。观者可以根据自己的喜好，通过触碰触控屏去改变光和声音的强弱！

它发出的声音来回荡漾着面板，弱弱地感受着云层之间的对流，宛如置身云层一般。

控制面板

— 经历一千夜的沉淀它诞生了 —

一千夜

one thousand nights

这款灯罩和传统灯罩的形态相比，似乎少了一半？

然而只有打开它的旋转装置，你才会见到它的真正面目！在幽暗的夜间，如同悬空飞翔的萤火虫一般！

旋转的同时还伴随微风般的声音，你肯定会怀疑今夜你在露营！设计师花了三年时间实现了这件作品，所以起名为：“一千夜”。

—他也有他未实现的梦 —

发光喷雾

spray of lights

他计划向空中喷出发光的雾成为一个光源，当它喷向空中的时候，空中就出现一朵发光的云彩。

对于光的强度，还可以有不同版本的选择：

比如40瓦的版本可以放在公园里给窃窃私语的小两口照亮。

比如15瓦的用来照亮卧室的床，100瓦用来阅读

不同瓦数也代表了不同的照明时间，比如卧室的15瓦云，会在空中悬浮20分钟后自动消失。这将是多棒的一个睡前体验！

虽然是未实现的“脑洞”，

但山中一宏一再强调这种发光喷雾技术已经在一所大学被发明出来了，但他还在苦苦等待这个技术成熟的曙光到来！

“

山中一宏的作品具有非常典型的日本设计风格，虽然他的设计看起来有些“脆弱”且更像奢侈品，虽然他创造的空间似乎更适合那些已经掌握了“超级整理术”的人们，那些房间很宽敞并开始对概念和新技术有要求的人们，虽然他的设计还未能解决更多普通人在局限空间下的生活审美和功能要求。但他的意义在这个时代仍旧是积极的：山中一宏强调了产品设计的概念，让产品设计师更加有态度；他提升了家具美感的要求，延展了家具功能的概念，为居家生活带来了趣味；他对新材料和技术的运用和思考，为更加未来感的居家生活提供了想象的空间；他在材料的运用上是极简的，但是他并不拘泥于展示一种“简单就是美”的态度，他更钟情于人的使用状态，对空间和人的关系进行了研究和拓展，在空间和产品中“留白”；他提出“设计空间的概念，而不是设计物品本身”。对山中一宏来说，不可见的事物反而比我们肉眼所见的事物更加重要，这就像是看不见的心比看得见的钱更重要一样。

”

— 除了灯具还有其它 —

倦湖

sleepy lagoon

流动的微风悄无声息地抚过水面

当我们对无尽的水面展开遐想，哪倒映破晓天际的水面似乎传达着自然的讯息：宇宙运动不息。“倦湖”的设计初衷是为了将这一设计概念化，桌面与下曲面构成的区域可用来搁置物品。

轻缓的湖面被精心设计而成，与空间中的微风甚至环绕的音乐相互融合。

模型推敲中

沐浴秋光

in autumnal sunshine

凉风习习的秋日，渐枯的树影在风中婆娑起舞，它所勾勒的美感恰如夏日深夜发出迷人声响的遮阳树荫。此刻，暗示着我们冬日降至。

这张矮桌为放置书籍杂志所设计，也可做咖啡桌以及床头柜。仅用两条桌腿的设计凸显了它的轻巧。

上卷的桌面边缘，则巧妙地暗示了此处可放置被子，而不必担心它们会滑落。

风中之烛

candle in the wind

乍一看，你可能觉得这依旧是一款灯具设计。

然而重点在蜡烛下面的白色底托。没错，这是一款烛台设计，微微上卷的一角隐喻微风拂动，同时也被用以移动烛台。次烛台的设计理念充分尊重了烛光本体之美，以及“烛光、阴影”关系的“间性”之美。

窗外微风轻拂，烛光摇曳，如此惬意。

通道

passage

2014年，山中一宏为东京三菱房地产集团旗下的 Mitsubishi Jisho Residence 的房屋做室内设计。在这个空间中，一张张由网球线编成的多彩椅子格外夺人眼球。

这是一组由彩色的“网球拍线”设计 *** 完成的椅子。

这些椅子都是通过在主体架构上的小孔，穿过坚韧的网球线，由点成线、由线及面而最终面与面，成为一个椅子的形体。网球线本用于网球拍的 *** ，具有相当的弹性和韧性，确保椅子足够的舒适且耐用。

绷紧的网球线，大家估计已经看不出它“原型”了。

山中一宏在为椅子配色时，考虑到要凸显空间与使用者为主体，使得椅子的颜色颇为克制。灰蓝黄三种色彩既不跳跃也不沉闷，和谐地融于素雅的整体风格之中。

山中一宏

1971年出生于东京。他于武藏野美术大学工艺工业设计学科室内设计专业修得学士学位（1992-1995），并于英国皇家艺术大学获得硕士学位（1995-1997）。毕业后，他于伦敦建立了山中一宏设计事务所。

山中一宏的创作涉及诸多设计领域，从家具设计、照明设计、照明装置到室内设计等。

山中一宏曾作为更佳青年设计师荣获米兰家具展“Design ReportAward”（2004），此外还曾获多个奖项。他的部分作品被纽约现代艺术博物馆永久收藏。此外，他曾于维多利亚与阿尔伯特博物馆（伦敦）、Collette时尚概念店（巴黎）、设计邦、Laforet原宿博物馆（东京）、Hangaram设计博物馆（首尔）等地展示其照明装置作品。

文章开篇提到的展览信息：

可见×不可见：山中一宏设计展

策展：山中一宏工作室

展期：2017年3月4日-5月2日

地点：上海当代艺术博物馆 1楼psD

票价：免费

展览现场：

“

本次展览将展出日本产品设计师山中一宏于1999-2016年间创作的14件家具设计产品，这也将是山中一宏在中国的首次个展。山中的设计灵感通常源于事物之间的关系。他擅长利用平凡的材料——譬如纸张或塑料，来 *** 富于极简美学的日常家居用品。

山中对于关系的思考投射在他对灯具及发光家具的设计之中，通过制造光线并以媒介进行干涉，物与物之间产生连接，并在彼此间的张力下营造出共享的空间关系。可见之物在不可见的关系之中生成叙事情节，并在日常之中以诗性语言得以表述。

”

长按勾搭