简谱与五线谱入门

2024-03-19 01:40:01装修宝典032

简谱与五线谱入门,第1张

简谱与五线谱入门
导读：　实用简谱与五线谱入门知识就在下面，各位同学知道，学习音乐乐理是不能够少的，下面就来看看吧! 　一、简谱怎样表示音的高低　在记谱法中，用以表示音的高、低、长、短变化的音乐符号称这音符。　通过一定的节奏、节拍组织起一

　实用简谱与五线谱入门知识就在下面，各位同学知道，学习音乐乐理是不能够少的，下面就来看看吧!

　一、简谱怎样表示音的高低

　在记谱法中，用以表示音的高、低、长、短变化的音乐符号称这音符。

　通过一定的节奏、节拍组织起一些相同或不同高低、长短的音符，即构成了一首具有一定音乐形象的曲调的基本部分。

　因此，要掌握简谱的规律，首先必须认识各种音符，理解其意义。

　在简谱中，用以表示音的高低及相互关系的基本符号为七个 *** 数字，即1、2、3、4、5、6、7，唱作do、re、mi、fa、sol、la、si，称为唱名。

　音符： 1 2 3 4 5 6 7

　唱名： do re mi fa sol la si

　汉字：多来米发梭拉西

　对照：

　显然，单用以上七个音是无法表现众多的音乐形象的。

　在实际作品中，还有一些更高或更低的音，如在基本音符上方加记一个"·"，表示该音升高一个八度，称为高音;加记两个" ："，则表示该音升高两个八度，称为倍高音。

　在基本音符下方加记一个"·"，表示该音降低一个八度，称为低音;加记两个" ："，则表示该音降低两个八度，称为倍低音。

　在一般歌曲中，无论是在基本音符上方或下方加记两个以上的"·"的音符都是很少见的。

　现将高音、中音、低音分组如下：

　在简谱中，不论基本音符是高音还是低音，七个 *** 数字所表示的唱名是始终不变的。

　在简谱体系中，如果将 1→ i或i→ 1之间的音像阶梯一样按高低次序进行排列，称为音阶。

　顺方向 1→ i，一个音比一个音高;逆方向 i→ 1，一个音比一个音低。

　音阶的种类很多，以上为最基本的自然大调音阶。

　在音阶中，相邻两音之间的音高距离不是均等的，其中 3与 4、7与 i之间为半音关系，其余各相邻两音之间为全音关系。

　一个全音等于两个半音。

　在键盘体系中，白键与黑键按固定规律排列，每个键均有固定的名称，用七个英文字母C、D、E、F、G、A、B表示音的名称，称为音名。

　音名不等同于唱名，唱名没有固定的音高位置，其音随调的改变而移动(参见"怎样认识简谱中的调与调号")，音名是固定不变的。

　音名在键盘上的位置如下图：

　二、简谱怎样表示音的长短

　在简谱中，1、2、3、4、5、6、7这七个基本音符，不仅表示音的高低，而且还是表示时值长短的基本单位，称为四分音符，其他音符均是在四分音符的基础上，用加记短横线"-"和附点"·"表示。

　1单纯音符

　在简谱中，如果音符时值的长短用短横线" -"表示，就称为单纯音符。

　单纯音符除四分音符外，有以下两种形式：

　⑴ 在基本音符右侧加记一条短横线，表示增长一个四分音符的时值。

　这类加记在音符右侧、使音符时值增长的短横线，称为增时线。

　增时线越多，音符的时值越长。

　⑵ 在基本音符下方加记一条短横线，表示缩短原音符时值的一半。

　这类加记在音符下方、使音符时值缩短的短横线，称为减时线。

　减时线越多，音符的时值越短。

　单纯音符的名称以全音符为标准而定。

　如：全音符的二分之一称为二分音符，全音符的四分之一称为四分音符，其余类推。

　常见的单纯音符的名称、写法及时值长短列表如下：

　2附点音符

　在简谱中，加记在单纯音符的右侧的、使音符时值增长的小圆点"·"，称为附点。

　加记附点的音符称为附点音符。

　附点本身并无一定的长短，其长短由前面的单纯音符来决定。

　附点的意义在于增长原音符时值的一半，常用于四分音符和小于四分音符的各种音符之后。

　例如在简谱中，加记在单纯音符的右侧的使音符时值增长的小圆点·，称为附点加记附点的音符称为附点音符。

　附点本身并无一定的长短，其长短由前面的单纯音符来决定。

　附点的意义在于增长原音符时值的一半，常用于四分音符和小于四分音符的各种音符之后。

　例如：

　附点四分音符：

　附点八分音符：

　附点十六分音符：

　在简谱中，大于四分音符的单纯音符通常不加记附点，而用增时线来表示。

　例如;

　附点二分音符：不用

　表示。

　带有两个附点的单纯音符称为复附点音符，第二个附点表示增长之一个附点时值的一半，即音符时值的四分之-。

　例如：

　复附点常用于器乐曲中，在歌曲中很少使用。

　三、简谱怎样表示休止

　在乐谱中表示音乐的休止(停顿)的符号称为休止符。

　简谱的休止符用O表示。

　休止符是一种不发声的符号，又称"无声的音符"。

　在音乐中，休止符一般起句逗作用，并能加强歌(乐)曲的表现力，变化歌(乐)曲的情绪，使曲调的进行表现出对比的效果。

　休止符停顿时间的长短与音符的时值基本相同，只是不用增时线，而用更多的 O来代替，每增加一个 O，表示增加一个相当于一个四分休止符的停顿时间，O越多，停顿的时间越长。

　在休止符下方加记不同数目的减时线，停顿的时间按比例缩短。

　常用休止符的写法、休止时值如下：

　在休止符右侧加记附点，称为附点休止符。

　附点休止符的停顿时值与附点音符的时值相同，即增长原休止符停顿时值的一半。

　音符是有声的，有的音可以拖长，而休止符是无声的符号，因此在实际使用中常用相当于附点时值的休止符来代替附点。

　例如：

　在休止符右侧加记两个附点，称为复附点休止符，第二个附点表示增长之一个附点时值的一半，即休止符停顿时值的四分之一。

　例如：

　在简谱中，复附点休止符是很少使用的。

　四、怎样认识简谱中的拍子和拍号

　将旋律的强拍与弱拍用固定音值进行强弱循环，有规律地组合，称为拍子。

　拍子分为单拍子与复拍子两种。

　每小节的每一拍由一个完整音符即单纯音符组成的拍子，称为单拍子;每小节的每一拍由一个附点音符或与其等值的音符组成的拍子，称为复拍子。

　用以表示不同拍子的符号称为拍号。

　拍号一般标记在调号的后边。

　例如： 1=C 2/4 1=G 3/4

　拍号是以分数形式标记的，分数线上方的数字(分子)表示每小节的拍数，分数线下方的数字(分母)表示每拍音符的时值。

　如2/4 拍子中的"2"表示每小节两拍，"4"表示以四分音符为一拍，2/4即表示以四分音符为一拍，每小节有两拍。

　旋律的强弱是有规律的，拍子决定旋律的强弱次序。

　强拍用●表示，弱拍用○表示，次强拍用◎表示。

　2/4拍子的强弱次序为：●○，这种强弱强弱不断交替的拍子的旋律，给人一种步伐整齐、具有进行曲风格的感觉;4/4拍子的强弱次序为：●○◎○，具有一种庄严、崇高的感觉;3/4拍子的强弱次序为：●○○，给人以翩翩起舞的感觉。

　当然，这三种基本节拍的感觉并非绝对的。

　在歌曲、乐曲中，音符的强弱关系由小节线来划分。

　无论哪种拍子，小节线后边的一拍总是强拍，小节线前边的一拍总是弱拍。

　五、怎样认识简谱中的调与调号

　在音乐作品中，为了更好的表达作品的内容与情感，适合演唱、演奏的音域和表现，常使用各种不同的调。

　调由两部分组成，即主音的高度与调式类别。

　如自然大调音阶1、2、3、4、5、6、7、i，1(do)的音高等同于键盘中的C音，则此音阶称为C自然大调音阶;自然小调音阶6、7、1、2、3、4、5、6中，6 (la)的音高等同于键盘中的A音，则此音阶称为a自然小调音阶。

　在简谱中，歌曲、乐曲调的高低均按大调的高低确定，即按憗(do)音的音高确定调的高低。

　因此C大调与A小调在简谱中的调号均为 1 = C，它不代表歌曲的调式。

　调号是用以确定歌曲、乐曲(或调子)高度的定音记号。

　在简谱中，调号是用以确定 1(do)音的音高位置的符号，其形式为 1= ……。

　例如当一首简谱歌曲为D调时，其调号就为 1= D

　键盘上任何一个音都可以作1(do)，1(do)音在键盘上的位置确定后，按照音阶各音之间的全音、半音关系，即可找出各调的音阶位置。

[音乐常识]致初学作曲的业余音乐爱好者

首先，来说说音阶，因为这里有很多术语回头会用到，所以必须从这里说起。

常用的音阶有六种，包括一种大音阶，三种小音阶，半音阶和全音阶。通常旋律与和声，还有调式等都是构造在大音阶或小音阶上的。这是一部乐曲的基础，所以在了解一切之前必须先了解这个。一般人都喜欢从音程开始入手，可是我感觉音程没什么可说的，无非是根据跨越的半音数量来起个名字。现列表如下，讲解略去。

包含半音数量音程名称举例

1 小二度 C - bD

2 大二度 C - D

3 小三度 C - bE

4 大三度 C - E

5 纯四度 C - F

6 增四度 C - #F

7 纯五度 C - G

8 小六度 C - bA

9 大六度 C - A

10 小七度 C - bB

11 大七度 C - B

12 纯八度 C - c

13 小九度 C - bd

14 大九度 C - d

15 小十度 C - be

16 大十度 C - e

只是注意一点，不把数学概念用在这里。比如，两个纯四度相加不是纯八度，而是小七度。还有，度前面的数字是根据大音阶上音的数量计算的。

废话少说，开始说音阶。

大小音阶各有七个音，分别构成音阶的七个级。最基本的音阶是自然大音阶，就是do re mi fa sol la ti。这是按照五度相生法构造的。具体构造方式不实用，这里就略去了。

每个级的音都有自己的名称，下面按照重要程度一一叙述。以C D E F G A B为例，唱名仅按照该大调音阶。

C(dol)是主音，是自然大音阶的根本之根本，音阶的名称也是根据这个音来的。比如C D E F G A B叫C大调音阶，E #F #G A B #c #d叫E大调音阶等等。

G(sol)是属音，其重要性仅次于主音。

F(fa)是下属音，也是非常重要的音。

D(re)是二重属音，也就是属音的属音。因为在一个调子的属调里面，属音就是原来调子的二重属音。

E(mi)是中音，因为它的位置在主音和属音中间。

A(la)是下中音，因为它的位置在下属音和主音中间。

B(ti)是导音，这是音阶中最不稳定的音，有强烈的进入主音的要求。所以，尤其是在终止式里面，导音进行到主音几乎是一切进行中优先级更高的。

嗬嗬，这些还是预备知识，虽然可能有很多人知道，不过以后频繁要用到，所以为了让更多业余爱好者了解，还是提了一下。

自然大音阶更大的特点就是三音是大三度(当然是和主音的关系)。在自然大音阶里面，所有音程不是大音程就是纯音程，没有小音程的。

现在开始说三种小音阶。

首先，和声小音阶。所谓和声小音阶就是把大音阶的三度和六度变成小音程。这两个音(中音和下中音)是对调性最敏感的两个音，把它们变成小音程会是音阶的色彩从太阳变成月亮，从阳性变成阴性。

比如C大调：C D E F G A B，对应地c小调和声音阶应该是C D bE F G bA B。本来是do re bmi fa sol bla ti，可是听起来却像是la ti do re mi fa #sol la。待会儿还会说到。

和声小音阶的特色是那个增二度。即从小六度到大七度的跳变(忘了说了，呵呵，大音程和纯音程多一个半音是增音程;小音程和纯音程少一个半音是减音程。)这个音阶的无限魅力就在这个跳变上。许多欧洲作曲家在模仿东方异国情调的时候都喜欢来回来去地强调这增二度。

另一个小音阶是旋律小音阶，这个音阶只有三度是小音程，其他都和大音阶一样。所以，我认为一个音阶的三音是决定这个音阶色彩的最重要一个音。不过注意这个音阶在下行的时候是要把六度和七度全都变成小音程的。这种做法由于抹平了那个增二度，所以旋律更加圆滑了。

最后，自然小音阶。这个音阶的三度，六度和七度全都是小音程。这样，do re bmi fa sol bla bti就完全变成了la ti do re mi fa sol。于是，我们不用主音作为小调的调名，而是用三音。这样，小调的谱号就要从上方小三度的大调去借，这是小调会多出三个降号来。比如，C大调没有升降号，可是c小调却有三个降号;又如，#F大调是六个升号，可是#f小调却只有三个升号。

半音阶。顾名思义就是由半音组成的，一共十二个音。用处很广，不过更好熟练掌握之后再用。最早是mozart提倡的，他带得他的老师haydn都开始用半音阶了，而且相当精彩。

全音阶。当然都是全音了，每两个音之间都是大二度。由于12/2=6，所以全音阶实际上只有两个：C D E #F #G bB和bD bE F G A B。这种音阶没有调性，听起来很玄。是德彪西的更爱。如果是初学者的话尽量避免，如果要八度老兄那样的我就管不着了。

终于说完了，这些是点基本理论，还有很多旋律和声部写作的惯例和禁忌，以后还有，呵呵。

（二）

呵呵，这回轮到曲式了。说到曲式，那可是我最早接触的音乐理论之一了，我看的是匈牙利近代三大音乐家之一魏纳。莱奥所作的<器乐曲式学>，用贝多芬的钢琴奏鸣曲作蓝本讲述以器乐为主的奏鸣套曲中的曲式。

我之所以在高中的时候就开始看曲式，主要因为曲式相对于其他学科来说对专业要求比较少，只要知道一些关于调性的东西就可以了，不像对位法，死难死难的，科班的都学不好。

好了，现在开始。再重申一下，我不是专业，所以我讲的就是经验之谈，不是书本知识。(当然，也有来自书本的经验)

一首乐曲中，最小的单位是什么音。废话!不过单音没有任何意义，也就省去了，放到旋律的写法中来讲。在创作中，最小的单位应该是动机了。所谓动机，就是展示你旋律特征的一到两小节的短旋律，不要求完整，只是把鲜明的特征表述出来即可。一个模进的旋律就是由一连串动机构成的。动机是构成音乐的基本素材，无论是呈示，还是展开，都要用到这样的素材作基础。各个段落以及乐章之间的紧密联系也都是和动机分不开的。

一部音乐，最重要的主题，没有主题的音乐好像没有脑袋的人(嗬嗬嗬，有点儿荒诞吧)，是不可理解的。主题的定义很模糊，魏纳。莱奥也没有给出一个确切的定义。总之能让听者进入状态的就是主题了。主题也有好多的结构呢，从最简单的乐句到复杂的综合乐段，都是主题。大家在写作的时候可以挑选着用，我来一一描述一下：

乐句：一个完整的句子，就像写文章一样，一直到让人产生"句号"的感觉(也就是终止)为止。乐句的终止可以是完全终止(结束在主 *** 上)，也可以是不完全终止(结束在属 *** 上)。甚至可以不用终止，直接进入下一段。这时没有终止的乐句就称作开放式乐句。比如钢男的那个impromptu的中段(Trio，三声中部，一会儿会讲到。)就是一个开放式乐句。

重复乐句：超级简单，就是把一个乐句重复一下，不改动或者作一些修饰性质的改动。mozart特别喜欢用这种重复乐句。

乐段：也是由两个类似的乐句构成，不同于重复乐句的是，在终止上作了本质的修改。最普通的做法是前乐句不完全终止，后乐句是完全终止。这个非常常见，在mozart等人的sonata里面经常出现，大家应该有所体会。另外在前后乐句之间可以插入短小的动机作为连接。

重复乐段：不用我再废话了吧两个一样的乐段。在小步舞曲(menuetto)当中大量出现。

三部乐段：呵呵，这个有些像元曲当中的"鼎足对"，就是把原来两部分的东西变成三部分了。分成前乐句，中乐句和后乐句。这时三个乐句的终止式就非常微妙，有兴趣不妨琢磨一下。beethoven在处理时意外地把中间的的乐句转到下属调上，然后在下属调上面用了个完全终止。

复合乐段：就像把乐句攒成乐段那样，就可以把乐段攒成复合乐段。

综合乐段：如果乐段前后乐句在材料上(也就是动机上)发生了本质的变化，或者说前后乐句用的不是一个材料，这样构成的乐段就是综合乐段。这种乐段会让你的作品更加富有变化。

三部综合乐段：三部乐段，其中每一部分都是不同的素材，就是这种乐段。这是最复杂，最奇妙的一种，因为，三个部分可以是乐句，也可以是乐段，也可以交替使用。

注：乐段也可以是开放的。

这些其实是一些基本的主题结构，魏纳。莱奥之所以讲了许多是因为后面他要分析beethoven全部的32部sonata，在我们业余爱好者来说，不必了解的那么精深，大略知道一些就足够了。下面开始讲真正的重头戏--曲式。

从二部曲式开始吧。这个可是最最基础的曲式了，可以说一切的曲式都是从这个演变来的。因为在最初写作的时候，作曲家最简单的 *** 不过是把曲子分成两部分，随后这两部分就逐渐有了定型。单二部曲式的结构是(A B)，也就是两个部分。这不仅仅是简单的划分，而是互相有联系的。通常A段是以不完全终止结束，然后B段用A段的素材在变化 *** ，通常是七 *** 或九 *** 上开始，最后再用相似的材料在完全终止上结束。

在bach和haydn的作品中(haydn限于早期，因为晚期他已经把奏鸣曲式发展出来了)，有大量的这种曲式出现，但是稍有不同。在B段的末尾有大量的A段素材出现，造成了结构听上去像(A BA)，这样的二部曲式称作带有再现的二段曲式，比通常的更加完善一些，这种结构也直接导致了三部曲式的出现。

三部曲式中，(也叫三段式，不过名字听起来有些。。。想起亚理士多德和卢卡西维奇来了。)三部曲式的结构为(A B A)，和带有再现的二段曲式很像，但是不同在于B段相对独立，可以完全使用新的材料，也可以继续使用A段的材料。而且再现A段相对完整，而不是只有一个A段特征的小乐段加上一个完全终止。这里的再现A几乎可以和呈示A一模一样。重复一般为(||：A：||：B A：||)，也有省略前面或者后面重复的。A或B只有一个乐句或者乐段，不可再分的，称作单三部曲式。

有单三部曲式，当然就有复三部曲式啦!如果A段或B段本身又是一个二段或三段式，整个乐曲就是一个复三部曲式了。这是乐曲的结构已经相当丰富，完全可以作为套曲的一个乐章了，这就是第三乐章，小步舞曲(menuetto)或者谐谑曲(scherzo)。回头要说。现在研究研究复三部曲式的调性和结构。复三段式的中间B段在早期作品中一般以三重奏(Trio)的形式出现，称作三声中部。大多数情况下三声中部用另外的调性，这样可以让听众不至于在长大的作品之中感到烦躁。当然也可以不转调。至于转向的调性，通常有以下几种：

1、属调：颜色更加明亮。

2、下属调：颜色更加柔和，这是速度宜放慢，要是保持速度不变的话至少也要把节奏放慢。

3、同名大小调：颜色的性质发生了变化。

4、上方大三度的调性：色彩忽然闪亮。

5、下方大三度的调性：色彩忽然变得柔和，有圆号的感觉。

另外复三部曲式结构还可以加以变化，比如前面加引子，后面加尾声，或者使用多个三声中部等等。两个三声中部的结构如下：A：二段式主题--B：三声中部I--A：二段式主题--C：三声中部II--A：二段式主题。这时至少要有一个trio转调，否则就会使乐曲枯燥无比，即使是催眠曲也将不会有这样好的催眠效果。

j。s。bach的勃兰登堡协奏曲之一部最后乐章就是复杂的复三段式，结构为：A：二段式主题--B：Trio_I--A：二段式主题--C：波兰舞曲--A：二段式主题--D：Trio_II(这个我在共享区上传过)--A：二段式主题。长大，没有转调，但巴赫借助乐队的变化避免了枯燥。

复三部曲式经过进一步变化之后，发展成了两个非常常用的复杂的曲式--奏鸣曲式和回旋曲式。

奏鸣曲式吗，自然是在奏鸣曲里面大有用武之地了。九成以上的奏鸣曲之一乐章都是奏鸣曲式的。在这种优美的曲式里面，对称的美与不对称的美做到了统一，规律与变化达到了和谐。奏鸣曲式的大结构是这样的：(引子)--呈示部--展开部--再现部--(尾声)。括号里面的可以省略。每一个部分都有详细的结构：

呈示部：主部主题--(连接部)--副部主题--结束主题群。

展开部：相当自由，没有什么限制。

再现部：主部主题--副部主题--结束主题群。

现在研究一下调性。

呈示部：主部主题自然出现在乐曲的调性上，副部主题就要转调了，而且这个转调在呈示部是必须的。一般大调转向属调，或者上方大三度(比如贝多芬<黎明>，C转E)，有时也往下属调转;小调最常见的是转到关系大调(如c->C)，同名大调(如c->bE)或者是属调。可以直接转调，也可以通过一个插部来过渡。跟在副部主题后面的，是一个一个的结束主题。主题的数量是乐曲规模的标志，一般在三四个左右。mozart的曲子里面结束主题排列有序，整齐化一，是标准的参考资料。呈示部一般重复一遍。

展开部：一般来说展开部没有什么限制，素材可以从呈示部或引子里面拿，也可以出现新的旋律。但是也不是一点限制都没有，所谓调性的自由是指要不停地转调，转调，转调，一直到转的彻底晕菜了为止。等到实在不行了，再把调性引回来到再现部。

再现部基本上是呈示部的重复，不过有些人喜欢在主部主题把调性转到下属调上去。这一次的副部主题不能再转调了，因为乐章接近结尾，要把调性稳定下来了。小调奏鸣曲的大调副部主题要改回小调，并要在乐章的调性上面。结束主题也要力求平稳，可以做同名大小调的变化，但不可有太大的动作。在协奏曲的奏鸣曲式中，再现部结束主题的末尾部分可以安排一个长长的大三 *** ，然后可供独奏者演奏华彩段。可以加入尾声，尾声可以向下属调离调，是很不错的处理方式。

还有一种简单的小奏鸣曲式，就是用一个经过句代替展开部。有一个很有名的例子就是mozart<费加罗的婚礼>序曲。

回旋曲式。回旋曲叫Rondo，源自欧洲的一种乡村舞曲形式--轮舞。这种曲式的特点就是有一个风格鲜明的主题，反复出现，至少三次以上。最适合用作套曲的终曲。海顿创立的原则就是最后一个乐章为乡村舞曲风格的Rondo。回旋曲式有两种形式，下面容我一一道来：

之一种：简单回旋曲式。这个有点像经过扩展的复三段式，结构为主题--插部I--主题--插部II。。。--主题--(尾声)。不同的是插部的体裁不限，不一定是trio。而且主题每次出现都可以做各种修改，甚至调性都是自由的，你可以来回来去地改变调性，只要在结束的时候改回来就可以了。插部的安排，调性的变换，一切都在你的控制之中。这种结构通常用在第二乐章慢板和终曲当中，一个很好的例子就是mozart的弦乐小夜曲ein klein nacht musik， kv525的终曲。调性变换非常频繁。

第二种：奏鸣回旋曲式。呵呵，这个有些像回旋曲，结构是呈示部---展开部--再现部。怎么一样呢!嘿，细节不一样，来看一下：

呈示部：主题--副群--(主题)。所谓副群就是副部主题加上结束主题，有时只有副部主题。要是没有那个括号里面的主题不就是奏鸣曲式了吗没错，可是这会的括号里面的主题很少省略。调性吗，副群转调啊，其他都在本来调性上。

展开部：这次可更加自由了，不光能像奏鸣曲式那样乱转一气，还能用类似复三段的trio来代替展开部。更有甚者，还可以用更加自由的幻想曲来代替展开部。至于其他形式吗，看作者的喜好了。不过要避免重复，因为Rondo本来重复就够多的了。

再现部：主题--副群--主题+尾声。最后的尾声和主题是很紧密的，而副群也回到了原来的调性。

嘿嘿，这不就是奏鸣曲式多出现一次主题吗没错，所以叫奏鸣回旋曲式。很工整。下面来看一下完整结构：

主题--副群(转调)--主题--展开部(或trio，或fantasy)--主题--副群(不转调)--主题+尾声。

再对比一下普通回旋曲：

主题--插部I--主题--插部II--主题--插部III。。。主题+尾声。

呵呵，原来就是一种特殊形式啊。不错，这样的曲式在终曲里面应用最广。如beethoven悲怆奏鸣曲的终曲，中间用的是trio。

最后一种，变奏曲式。这个不难，首先有一个主题，一般是二段式，速度中庸。在这个主题的基础上发展出无数的变奏，一般调性不发生变化，最多就是同名大小调之间的变换。不过速度和风格可一定要有丰富的变化，否则本来主题和变奏就很像。。。

当然，还有一种不规则的变奏，无论是和声还是调性都可以与主题相去甚远。

在结尾一般有一个尾声，或者快速的变奏，要么就是把主题再现，然后加上尾声(常用)。

看一看结构：

主题--变奏i--变奏II--变奏III。。。(主题)+尾声。

代表作：舒曼的<交响练习曲>，里面有各种各样的变奏，有规则的，也有不规则的，一共十几个。尾声写的漂亮极了。

哈，终于打完了。不过还有套曲的整体结构没有说，下次再说吧。

（三）

曲式还有一种，就是套曲的曲式。

一般的套曲，指的是奏鸣套曲，由演奏乐器的不同，所得的名称也不同：

单一乐器演奏的，叫奏鸣曲或无伴奏奏鸣曲。如钢琴奏鸣曲，无伴奏小提琴奏鸣曲。

由独奏乐器加上伴奏乐器演奏的，叫独奏乐器的奏鸣曲。如小提琴奏鸣曲(小提琴和钢琴/吉他)。

由少量独奏乐器演奏，每兼乐器只负责一个声部的，叫重奏曲。如弦乐四重奏(小提琴两把，中提琴，大提琴。)，钢琴三重奏(钢琴，小提琴，大提琴)，木管五重奏(长笛，单簧管，双簧管，大管，圆号)。

由独奏乐器(可以是多个)和乐队演奏的，叫独奏乐器的协奏曲。如圆号协奏曲，管弦乐队协奏曲，声乐协奏曲。

由完整的管弦乐队演奏的，叫交响曲。交响曲有时加入合唱队。

无论是哪一种套曲，统称为奏鸣曲。比如，交响曲只是奏鸣曲的一种，钢琴奏鸣曲也是奏鸣曲的一种。

现在说说奏鸣套曲的结构。这个结构是经过长期发展得到的，最后在海顿手中得以定型，因此人们称海顿为"交响乐之父"。今以奏鸣曲为例。

一般，奏鸣曲分为四个乐章，按照快慢相间的原则来配置。

之一乐章，通常为快板(Allegro)，曲式一般用奏鸣曲式，是最紧张，更具有戏剧性的一个乐章。之一主题常常很鲜明有力，第二(副部)主题则以歌唱性的旋律和声为主，强调与之一主题的对比。展开部千变万化，这一切都构成了之一乐章的特色。之一乐章是整部作品的核心。

第二乐章，以慢扳(Largo， Adagio， Andante， Lento等)的浪漫曲为最常见，为的是强调和之一乐章的对比。曲式比较自由，一般用简单的二段式或三段式，另外变奏曲也比较常见，奏鸣曲式和回旋曲式亦不少见。该乐章是整部作品中最为深沉的一个乐章。

第三乐章，这个比较固定，一般不作变化。要么是中庸速度(Tempo di Menuetto)的小步舞曲，要么是急速(Presto或Vivace)的谐谑曲。曲式用的都是复三段式。在小型的独奏奏鸣曲中，这个乐章经常被省略，要么就是和终曲结合在一起。

第四乐章，终曲，急速(Presto， Vivace等)，在海顿的作品中是舞蹈的场面，在贝多芬的作品中则是胜利的结论。采用回旋曲式最多。是速度最快，情绪更高的乐章，一定不能被上一个乐章压制住。

在这些乐章之间有时还可以加入其他成分，比如我就加过间奏曲。不过是后期的做法。后期甚至把四个乐章写到一个乐章里面，号称但乐章交响曲。

以上是奏鸣套曲，下面简要介绍一下古组曲(Suite或Partita)的套曲曲式：

Bach的作品一般按照A-C-S-O-G的格式。

A：Allemande舞曲，亦称作德国舞曲，因为那个词在法语中就是指德国的一个民族。速度中庸。

C：Courante舞曲，有法国式和意大利式两种。前者强调高雅，后者强调流畅。快速。

S：Sarabande舞曲，西班牙舞曲，以符点为特色。贝多芬在<艾格蒙特>序曲中模仿过这种节奏。慢速。

O：Optional，只要不和其他乐章重复，可以任选一个舞曲作为这个乐章。一般有一下几种：

Menuetto：小步舞曲，唯一保存到奏鸣套曲中的舞曲。

Bouree：布列舞曲。

Gavotte：加沃特舞曲。

Passpied：帕斯比耶舞曲，源自法国，小步舞曲的前身。

Rigaudon：里高东舞曲，源自英国。格里格有很出色的作品。

Musette：风笛舞曲。

Loure：古风笛舞曲。

Polonaise：波兰舞曲，肖邦有大量名作。

Anglaise：英国舞曲。

Air：咏叹调。

G：Giga，吉格，苏格兰三拍子舞曲，急速，很像奏鸣曲的终曲。

可以看出，古组曲是由一连串的舞曲组成的。不错，因为套曲是从给舞蹈的伴奏中独立出来的。它更大的一个原则就是快慢相间，最早的套曲就是由一首慢速的孔雀舞和一首快速的加亚尔德舞构成的。

下面分析一下钢男的即兴曲，嘻嘻。请有兴趣者到钢男(钢琴男孩)发的"[原创]仿古即兴曲"贴子里面下载谱子。(技术论坛的音乐理论那里，那个是原作。)

整体结构是单三段式，调性为a->A->#F->a。谱子上的调号标记有些错误，最后再现A段应该是还原成C调的调号。

A段，1-17小节(算弱起小节)。A段是一个合乐段，因为前后两个乐句材料上没有发生变化，但是终止变了，后乐句出现了频繁的转调。之一小节是弱起，到第九小节为止是前乐句，实际上是一个八小节的乐句，停在半终止上;后乐句有些复杂，前四个小节重用前乐句，但是伴奏更加丰富。从14小节开始转调。14小节转到A大调，16小节是#f小调，17小节是#F大调，最后是#F大调的完全终止。

B段，18到27小节。开放乐段。18-25为前乐句，半终止;重复一遍为后乐句，但是由于终止不同，所以不是重复乐句。27小节一开始是完全终止，但是立刻就转到了a小调，并开放着。

A段再现。基本没有变化，最后的大调改成了小调。

关于B段的开放性我还是有一些疑问。因为如果把27小节那几个音看作是连接的话，B段就是一个以完全终止结尾的封闭乐段了。就像A段，结尾出也有一个连接用的音。

（四）

这次说说什么呢？

音乐是由三大要素构成的：旋律，和声和节奏。节奏没什么可说的，无非就是两拍子

强、弱，三拍子强、弱、弱，四拍子强、弱、次强、弱，其它的都是这几种的组合。

主要来说说旋律以及和声。这些都是我平时得出的一些经验，结合书本上的理论。

关于旋律，我记得书上大致是这么说的：

1、主音，属音和下属音本性平稳，称为“静音”；而重属音，中音和下中音本性多变，称为“动音”。

2、第七度本性极不稳定，称为“导音”。

3、动音要解决到相邻的最近的静音之一，而导音要上行解决到主音。