日式风格插画是什么意思-什么样的画为之插画？插画分哪几种类型？

2024-05-04 00:55:01装修宝典013

日式风格插画是什么意思-什么样的画为之插画？插画分哪几种类型？,第1张

日式风格插画是什么意思-什么样的画为之插画？插画分哪几种类型？
导读：日系插画和二次元插画有什么区别日系插画和二次元插画有什么区别日系插画和二次元插画比较相似,二次元除了日系风格还包含韩系插画,不管你是想要日系插画还是二次元插画必须要对它们感兴趣,其次是需要掌握基本的绘画知识才能满足创作的欲望,日系插画和二次

日系插画和二次元插画有什么区别

日系插画和二次元插画比较相似,二次元除了日系风格还包含韩系插画,不管你是想要日系插画还是二次元插画必须要对它们感兴趣,其次是需要掌握基本的绘画知识才能满足创作的欲望,

日系插画和二次元插画常出现在游戏行业、动画行业、平面设计、商业广告等,想要以就业为目标的同学,可以多多关注这些行业类的插画信息,

什么样的画为之插画？插画分哪几种类型？

什么样的画为之插画插画分哪几种类型

正解

一、插画,西文统称为「illustration」,源自于拉丁文「illustraio」,意指照亮之意,也就是说插画可插画

以使文字意念变得更明确清晰。

二、辞典上的解释,插画是:(1)插画、图解(2)例证、实例(3)举例说明《辞海》对“插画”的解释是:“指插附在书刊中的图画。有的印在正文中间,有的用插页方式,对正文内容起补充说明或艺术欣赏作用。”这种解释主要是针对书籍插图作为的定义,是一种狭义的定义。由于情报时代的来临,现代社会的发展,现代插画的含义已从过去狭义的概念(只限于画和图)变为广义的概念,“插画”就是我们平常所看的报纸、杂志、各种刊物或儿童图画书里,在文字间所加插的图画,统统称为“插画”。插画,在拉丁文的字义里,原是“照亮”的意思。望文思义,它原来是用以增加刊物中文字所给予的趣味性,使文字部份能更生动、更具象地活跃在读者的心中。而在现今各种出版品中,插画的重要性,早已远远地超过这个“照亮文字”的陪衬地位。它不但能突出主题的思想,而且还会增强艺术的感染力。

插画是一种艺术形式,作为现代设计的一种重要的视觉传达形式,以其直观的形象性,真实的生活感和美的感染力,在现代设计中占有特定的地位,已广泛用于现代设计的多个领域,涉及到文化活动、社会公共事业、商业活动、影视文化等方面。

插画的分类

按现在市场的定位:矢量时尚卡通低幼写实唯美韩漫插图概念设定等等

根据 *** *** 分类:手绘,矢量,商业,新锐(2D平面,UI设计,3D),像素

按插画绘画风格分类:日式卡通和插画欧美插画香港插画韩国游戏插画台湾言情小说封面插画,由于风格现在太多样化所以我只是简单的分类

另在国外风格更广还有手工 *** 的折纸,布纹啊,各种风格都有,并驾齐驱。

画画分几种类型

按类型分的话就很多种:水彩、油画、漫画、速写、素描、国画、简笔画,速写素描那些是用2B铅笔那种笔画的。

漫画分几种类型

我家的漫画是这么分的:国漫(盗版型比较多,个人认为《长歌行》算不错的)、港漫(热血型比较多)、日漫(全能型)、韩漫(科教型)、美漫(英雄型)

中国画有哪几种类型

中国画根据不同的分类标准可以分为不同的类型。根据创作手法可以分为写意画和工笔画;根据题材可以分为人物、山水和花鸟画等。

如何画《花火》里那种类型的插画

数位板。PHOTOSHOP。现在数位板上画草图,然后用PHOTOSHOP画其他的细节部分并完成上色的过程。

油画技法有哪几种类型

古今中外,油画最基本的技法有三:一是北欧尼德兰画派,以扬凡爱克为代表的透明薄涂画法;二是南欧意大利画派以威尼斯提香为代表的不透明厚涂画法;三是以佛兰德斯画家鲁本斯为代表的融合南北技法暗部透明薄涂、亮部不透明厚涂的折衷画法。17世纪以后的画家,虽具有各自风格和独特技法,但都没有脱离开这三种基本的传统油画技法。

画彩头的颜料有哪几种类型

颜料类型还是颜色有丙烯。水粉

一般用的颜色:大红,白。那坡里黄。浅灰蓝。灰豆绿。土黄。普兰。深红。黑色。橘红。橘黄。赭石,春日清。还有几个纯色再来几个,画衣服用

酸奶分为哪几种类型什么样的热量更高与更低

酸奶也分好几类:从工艺上区别,酸奶分为搅拌型与凝固型,二者在口味上略有差异(凝固型酸奶口味更酸些),但营养价值没有区别。从原料和添加物来分,酸奶主要分为纯酸奶、调味酸奶和果料酸奶3种。只用牛奶或复原奶作为原料发酵而成的是纯酸奶;在牛奶或复原奶中加入食糖、调味剂或天然果料等辅料发酵而成的是调味酸奶或果料酸奶。目前以调味酸奶和果料酸奶为主。从脂肪含量来看,则有全脂酸奶、低脂酸奶和脱脂酸奶之分。

凝固型酸奶:是在接入菌种后,先装入零售容器,然后保温发酵,成品在容器内呈凝固状态。

搅拌型酸奶:在发酵罐中接种生产发酵剂。凝固后,再加以搅拌装入杯或其他容器内。

纯酸奶:是以牛奶或还原奶为原料,经发酵制成的产品,不得添加其他辅料。

调味酸奶:是在天然酸奶或加糖酸奶中加入各种食用香料而制成,在市场上较常见。

果料酸奶:由纯酸奶与糖、天然果料混合而成。

功能酸奶:用于有特定需求的人群,如低乳糖酸奶、低热量酸奶、维生素酸奶或蛋白质强化酸奶等)。

酸奶对人体有较多的好处

低热量水果排行榜更高与更低

水果名热量(kcal)膳食纤维水分

西瓜25003930

新疆哈密瓜25005926

状元瓜28006916

香瓜30006910

哈密瓜31008910

文旦32010910

桔子32022910

小玉西瓜32004910

枇杷32012910

葡萄柚33012909

莲雾34010916

杨桃35011900

圣女蕃茄35014914

白柚37012896

泰国芭乐38030890

美浓瓜38004890

土芭乐39050888

草莓39018890

柑橘40017888

水梨40016888

高热量水果排行榜

水果名热量(kcal)膳食纤维水分

榴连162044566

释迦104027700

香蕉91016740

红毛丹77011797

龙眼73011800

樱桃71015800

柿子68047810

石榴67046807

百香果66053840

加州葡萄62005832

西洋梨60030835

荔枝59013835

金煌芒果59011838

香吉士58030861

酪梨58025840

葡萄57006840

李子57016840

加州李56015846

土芒果55008850

青龙苹果53016853

这种类型的插画怎么画我对脸部画不好

对,用老师们经常说的一句话就是,一天两三张,三年之后,自然就好了

影视画面构图有哪几种类型

在摄影技法中有很多中构图 *** ,但是都是依据六种基本的构图法则发展而来,分别是:“黄金分割”法则、三角形法则、对角线法则、天头留白法则、运动空白法则、均衡稳定法则是客观存在的。只有充分利用并共同使用这六个摄影构图的基本法则,方能使普通摄影爱好者以较为简便的完成一幅摄影作品。

一、黄金分割法

什么是插画

在现代设计领域中,插设计可以说是更具有表现意味的,它与绘画艺术有着亲近的血缘关系。插艺术的许多表现技法都是借鉴了绘画艺术的表现技法。艺术与绘画艺术的联姻使得前者无论是在表现技法多样性的探求,或是在设计主题表现的深度和广度方面,都有着长足的进展,展示出更加独特的艺术魅力,从而更具表现力。从某种意义上讲,绘画艺术成了基础学科,插画成了应用学科。纵观插画发展的历史,其应用范围在不断扩大。特别是在信息高速发达的今天,人们的日常生活中充满了各式各样地商业信息,插画设计已成为现实社会不可替代的艺术形式。

现代插画的形式多种多样,可由传播媒体分类,亦可由功能分类。以媒体分类,基本上分为两大部分,即印刷媒体与影视媒体。印刷媒体包括招贴广告插画、报纸插画、杂志书籍插画、产品包装插画、企业形象宣传品插画等。影视媒体包括**、电视、计算机显示屏等。

招贴广告插画:也称为宣传画、海报。在广告还主要依赖于印刷媒体传递信息的时代,可以说它处于主宰广告的地位。但随着影视媒体的出现,其应用范围有所缩小。

报纸:报纸是信息传递更佳媒介之一。它最为大众化、成本低廉,发行量大,传播面广,速度快, *** 周期短等特点。

杂志书籍:包括封面、封底的设计和正文的插画,广泛应用于各类书籍。如文学书籍、少儿书籍、科技书籍等。这种插画正在逐渐减退。今后在电子书籍、电子报刊中仍将大量存在。

产品包装插画:产品包装使插画的应用更广泛。产品包装设计包含标志、图形、文字三个要素。它有双重使命:一是介绍产品,二是树立品牌形象。最为突出的特点在于它介于平面与立体设计之间。

企业形象宣传品:它是企业的VI设计。它包含在企业形象设计的基础系统和应用系统的两大部分之中。

影视媒体中的影视:是指**、电视中出现的插画。一般在广告片中出现的较多。影视插画也包括计算机荧幕。计算机荧屏如今成了商业插画的表现空间,众多的图形库动画、游戏节目、图形表格、都成了商业插画的一员。

插画又叫插图就是用来解释说明一段文字的画。

简单的说来,“插画”就是我们平常所看的报纸、杂志、各种刊物或儿童图画书里,在文字间所加插的图画,统统称为“插画”。插画,在拉丁文的字义里,原是“照亮”的意思。望文思义,它原来是用以增加刊物中文字所给予的趣味性,使文字部份能更生动、更具象地活跃在读者的心中。而在现今各种出版品中,插画的重要性,早已远远地超过这个“照亮文字”的陪衬地位。它不但能突出主题的思想,而且还会增强艺术的感染力。

插画的分类

按现在市场的定位:矢量时尚卡通低幼写实维美韩漫插图概念设定等等

根据 *** *** 分类:手绘,矢量,商业,新锐(2D平面,UI设计,3D),像素

按插画绘画风格分类:日式卡通和插画欧美插画香港插画韩国游戏插画台湾言情小说封面插画,由于风格现在太多样话所以我只是简单的分类

另在国外风格更广还有手工 *** 的折纸,布纹啊,各种风格都有,并驾齐驱。

插画的应用范围出版物:

书籍的封面,书籍的内页,书籍的外套,书籍的内容辅助等所使用的插画。

包括报纸、杂志等编辑上所使用的插画。

商业宣传:

广告类——包括报纸广告、杂志广告、招牌、海报、宣传单、电视广告中所使用的插画;

商业形象设计:商品标志与企业形象(吉祥物);

商品包装设计;

图解——消费指导、商品说明、使用说明书、图表、目录

影视多媒体:

影视剧、广告片、游戏、 *** 等方面的角色及环境美术设定或介面设计。

凡是用来做“解释说明”用的都可以算在插画的范畴。怎么说那今天我刚去图书市场因为今年插画专业刚开我看到啦他们的教材那里有新的定义(去图书市场在书里找找行业内的定义吧)在我们的日常生活中,人与人之间常常需要表达自己的想法给对方知道,或者要告诉别人,你心里头有什么心事。这时候除了用“语言”或用“文字”来表达之外,还有一个 *** 就是“图画”。

梵高19世纪名画《蒙马特街景》将进行拍卖，这幅画有什么特色？

据相关媒体报道,知名印象派代表作画家梵高在1887年创作的《蒙马特街景》将进行展出拍卖,相关团队则将通过视频方式在巴黎,纽约,香港等三地进行线上拍卖。

由于这个系列画作的稀有性,因此专业人员估值大概在500~800万欧元。

据了解,这幅画作在1920年时由一名法国收藏家家族拥有,在此之后一直从未公开展出,此次也是首次在公众面前亮相这幅画。

画作描绘了法国巴黎蒙马特地区风车磨坊景色。

据了解,1887年春天梵高前往巴黎,尽管只停留了短短两年,但这两年也是他重要的创作时期,在这一时期他画出了极富传奇色彩的蒙马特系列,之后这幅画被收藏家家族收藏,这一收藏就长达一个世纪之久。

相关人士介绍:

我们在之一眼看到这幅画时,就已经瞬间被吸引住,法国一个家族珍藏此画百年,如今我们能够将它带到世人面前,实在深感荣幸。梵高在蒙马特时期的画作大部分都典藏于世界各地顶级博物馆,只有少数尚在私人手中,来自这个经典系列的殿堂级作品如今现身市场,对梵高作品的收藏家以及广大艺术鉴藏家而言无疑是一段艺坛佳话,也是一次难得可贵的购藏机会。

1887年巴黎的蒙马特地区四处都可以看到老旧的磨坊和歌舞升平的店面,正是这样乡村田园与都市风光融合的独特气息吸引了许多人前来感受,其中就包括梵高,这座陌生城市吸引了梵高前来进行生活的探索与视野的扩充,也让他首次与其他印象派画家和前卫艺术先锋们进行思想交流,这些曼妙美好的邂逅点燃了他对于创作的灵感,因此早期画作色彩单一暗沉,经过此次之后,梵高逐渐爱上了鲜艳明亮的色彩,因此这段生活是梵高创作生涯的成长期,也为他之后成熟卓越的画风奠定了基础。

如何描述清明上河图的其中一幅热m的都市街景

《清明上河图》的中心是由一座虹形大桥和桥头大街的街面组成。粗粗一看,人头攒动,杂乱无章;细细一瞧,这些人是不同行业的人,从事着各种活动。大桥西侧有一些摊贩和许多游客。货摊上摆有刀、剪、杂货。有卖茶水的,有看相算命的。许多游客凭着桥侧的栏杆,或指指点点,或在观看河中往来的船只。大桥中间的人行道上,是一条熙熙攘攘的人流;有坐轿的,有骑马的,有挑担的,有赶毛驴运货的,有推独轮车的大桥南面和大街相连。街道两边是茶楼,酒馆,当铺,作坊。街道两旁的空地上还有不少张着大伞的小商贩。街道向东西两边延伸,一直延伸到城外较宁静的郊区,可是街上还是行人不断:有挑担赶路的,有驾牛车送货的,有赶着毛驴拉货车的,有驻足观赏汴河景色的。

汴河上来往船只很多,可谓千帆竞发,百舸争流。有的停泊在码头附近,有的正在河中行驶。有的大船由于负载过重,船主雇了很多纤夫在拉船行进。有只载货的大船已驶进大桥下面,很快就要穿过桥洞了。这时,这只大船上的船夫显得十分忙乱。有的站在船篷顶上,落下风帆;有的在船舷上使劲撑篙;有的用长篙顶住桥洞的洞顶,使船顺水势安全通过。这一紧张场面,引起了桥上游客和邻近船夫的关注,他们站在一旁呐喊助威。《清明上河图》将汴河上繁忙、紧张的运输场面,描绘得栩栩如生,更增添了画作的生活气息。

广州街道(9·结束篇)‖在历史与未来之间永恒漫游

图/文:大地倚在河畔

街道是属于历史的,又是属于未来的,“当下的街道”是多么短暂,我们往往还没来得及细细观赏,那些街景已经成为历史。广州街道正是这样——作为历史的街道这里每个街角都留有历史的印记,作为未来的街道这里每个景物都暗喻着未知的改变。

置身这南方都市流逝中的街道,我们注定要在历史与未来之间捕捉及感受当下,在当下的每一个瞬间永恒漫游。

古代广州的街道大多是顺着地形弯弯曲曲自然伸展,并且总是不太宽阔的。布局上也表现为因地制宜的变化与不规则。除为数不多的几条官道及商业繁华街道之外,其余通常较为狭窄。街道是城市的动态部分。初时这座城市的交通运输更多是依赖网状密布的水路,后来随着马匹及轮式车辆增多,人工修筑的街道陆续出现。街道伴随着城市发展而演变。

唐开元初年至兴元年间的数十年中,广州当局多次整治修葺城区,在普通民居中大力推广砖瓦房屋,同时改造坊市、拓宽街道。今中山路和北京路分别作为东西向和南北向的主要街道,此时已是店铺林立初步成形。在城西今光塔路附近还出现了外国商人聚居的“蕃坊”。

宋代广州延续自唐代开始的做法,更加积极鼓励市民烧砖制瓦,在普通民居中大量采用砖瓦建材,砖瓦民居得到广泛推广普及,城市建筑及街道面貌焕然一新。在中、东、西三城以及东、西雁翅城的城墙内,沿着略为弯曲狭窄的铺着砖石的街道,可以看到错落排列的砖瓦房屋,还有夹杂其中的木构建筑乃至竹木建筑,这就是当时常见的街道景观。

多数的沿街建筑是低矮的。但在城市中心区和城门附近街区出现了越来越多造型各异、体量宏大的建筑。在原唐代清海楼基础上改建双门的拱北楼、市舶提举司署所在的海山楼、重修于北宋年间的六榕塔等重要建筑以及大量的亭台楼阁,错落遍布城中,与历代留存的越王台、越华楼、怀圣光塔等共同构成了古时广州的街道及城区天际线。明清时期广州城区不断扩展,城墙跨到越秀山上,街道也在演变。清康熙至同治年间城西一带街区进一步开发,辟建了 *** 状的街道,并逐渐在沿街形成具有晚清特色的“西关大屋”,成为城西的独特街景。

街道有效扩展了城市聚集物质资源的能力,因此在其附近总是连带出现城市生活的一种规律性产物,即市场。宋时广州有东澳、西澳两处内港,位于今清水濠一带的东澳是广州的盐运码头,位于今南濠街附近的西澳则是对外贸易码头,两地均贸易繁盛街巷繁华。明代街道沿线及附近陆续出现了米市、花市、茶市、鱼市、果栏、菜栏、油栏等大型集市。城南紧邻玉带濠的濠畔街,更发展成为游人如织的海内外珍奇杂货的交易场所,称“百货之肆”。从城区演变可见,许多市场就像城市其他要素那样总与街道紧密关联、相伴而生。

另一要素即市民进行祭祀仪典的神圣场所——寺庙,也与街道密切相关。某种意义上城市及街道正是开始于这些永久性的神圣场所。街道的形成既为交通,也为交易,还为四周居民聚集供奉神明及寄托精神。广州宗教生活源远流长历代不衰,光孝寺、六榕寺、海幢寺、华林寺、大佛寺等五大丛林,以及五仙观、城隍庙、三元宫等大量不同规模的寺观庙宇遍布城中及街道沿线。

砖石铺砌的相对狭窄的路面,以及两侧的紧密有致的民居、集市、殿阁、寺庙,也就构成了古代广州街道持续演变的景观结构特征。

伴随全球史时代的到来,广州开启了城市近代化进程,城市街道也随之开始近代演变。初时,俗称为马路的城市干线多为13—16米宽。这些近代街道的修建始于19世纪80年代。1886年张之洞修建天字码头时,在附近修建了一段约15公里长的马路,成为广州近代街道的开端。①

20世纪初年,在修筑自东濠口至沙面附近的珠江堤岸时,沿堤岸修建了近1000米长、16米宽的新型街道,包括东堤、南堤、西堤三段,总称为长堤。这条沿江街道路面宽阔,设置标准,后来又修建了宽13—15米的东堤二马路、南堤二马路和西堤二马路。

1918年广州市拆除城墙和城门,利用城墙基址修建了太平路、丰宁路(今人民路)、越秀路、万福路、泰康路、德宣路等共10多公里长、25—33米宽的新型街道。这项广州市之一个大型市政建设工程,短时间内动迁了4000多铺户,掀开了近代广州新型街道建设的 *** 。1925年修成沥青路面的林荫大道白云路,路面宽达50米,成为当时街道的典范。至1928年,全市已有新型街道626公里。之后继续推进规划建设,以市区生活及商业发展为主体,兼顾市郊和工业区交通以及城市出入的通道,布局大致呈棋盘状。

30年代陈济棠主政广东期间,广州市政建设速度进一步加快,市区主要干道全部更新为近代街道。1932年制定的《广州市城市设计概要草案》统一了市区街道的标准,规定行政区干道为30米宽,住宅区和工商业区干道为25—30米宽。这个时期修建了西湖路等24条街道,还整理了数以千计的市区内街。1936年全市新型街道总长度达1388公里,至1949年达到228公里,广州近代街道建设的速度与规模在当时全国各大城市中居于前列。②重要的是,这些街道及其 *** 构成了近代广州的基本城市框架,是广州城市近代化的重要物质及视觉标志。

当代广州的城市建设极大地改变了广州的街道状况。1949年广州解放后,海珠桥区、西堤区和黄沙区等街区迅速重建。随着城市经济的恢复,广州逐渐形成包括中心区和外围区在内的整体发展布局,其中道路建设成为城市建设的重点得以迅速发展。这时候的广州街道,既具有传统色彩又带有现代特征。

特别是改革开放之后,在市区原有街道和城市迅速扩展的基础上,广州街道进入现代蜕变与急速扩张的发展时期,新开辟了标准而又壮观的广州大道、天河路、黄埔大道、体育东路、体育西路、康王路、站前路、站南路等众多干线街道,以及五羊新城、珠江新城、大学城、白云新城、亚运城等多个庞大的街道网;与此同时又拓宽及改造了东风路、解放路、中山路、新港路、五山路、江南大道等重要路段,全面更新了这些街道的物质设施。

2005年广州市区道路总长度超过5100公里,比1949年的228公里增加223倍,一个空前巨大的现代街道体系已然呈现。重要的是,经此数十年发展,广州街道已经从传统的呈平面形态的“马路时代”进入空间立体时代,人行天桥、高架路、高速公路、轨道交通、BRT快速通道等有机组合,构成了这一时期城市街道的新景观。

事实上,当广州城市街道进入近代化时期,西方各国的城市街道也经历了丰富复杂的演变,并且形成了同样丰富复杂且相当成熟的街道范式。有趣的是,那时广州陆续出现底层有公共柱廊的俗称“骑楼”的沿街店屋式建筑,它们紧密排列成为具有连续廊道的骑楼街,这种骑楼街恰好在风格上与两千多年前古罗马规范其街道标准时大量采用的拱廊街道相呼应。

人们认为现代城市街道的设计及技术起源于古罗马的街道标准和路面铺装法令。③这些最早可以追溯至公元前100多年的书面法律,规定古罗马街道的最小宽度是45米。此前的街道并没有什么规则,两旁的房屋又矮又小。后来那些高耸的绕柱式房屋大量出现,并且密集排列形成了类似于古希腊的拱廊街道。古罗马确认了这种风格,同时规定这些沿街建筑物的更大高度不得超过20米及不能超过六层。按照规范的标准,古罗马街道使用玄武岩石板铺装。街道两旁是垫高的人行道,通常也以石材铺装,两边人行道的宽度约为街道宽度的一半。这种垫高人行道的古罗马城市街道,就是现代城市街道的历史原型。

关于城市街道设计规划的历程,城市学者克尔·索斯沃斯和伊万·本-约瑟夫合著的《街道与城镇的形成》、刘易斯·芒福德所著《城市发展史》,以及克利夫·芒福汀的《街道与广场》等均有详尽深入的论述。综合参考这些论述,我们在此可以简要勾勒一个世界城市街道发展演变的粗略轮郭。

古罗马帝国解体后,许多古罗马城市随之衰落,城市街道情况日趋恶化,包括罗马、博洛尼亚、那不勒斯以及巴黎等在内的城市,街道空间被私人建筑侵占,路面杂乱无章。这时候不断增长的商人阶层势力显示力量,要求改善街道交通。

到了13世纪文艺复兴时期,阿尔伯蒂、帕拉第奥等欧洲城市规划专家再次强调完美的街道布局,唤起人们对城市街道建设的重视。阿尔伯蒂虽然赞赏宽广笔直的街道使城市变得更加宏伟壮观,但他却极力推崇弯弯曲曲的街道。中世纪欧洲城市通常把街道建得不太宽阔又略为弯曲,且常有急转弯和顺着地势的缓坡起伏。那时街道主要是步行人的交通线及日常活动空间,车辆交通是次要的。略为狭窄的街道可以使冬天的户外活动比较舒适,而在南方则可使人免遭日晒雨淋。

阿尔伯蒂为这种弯弯曲曲的街道写了一篇分析透彻的辩护词,认为街道还是像河流那样弯弯曲曲的好,这样的街道会使城市更加了不起,而且具有安全保障作用,又具有亲近感及潜在的美学,这是既令人愉快又有益于健康的。后来许多城市史学家认为,在对中世纪城市街道的分析中,没有比这些评价更为公正了。而帕拉第奥则更欣赏那些两旁建有柱廊的街道,认为这样的街道不仅可以让居民专注于想做的事情免受天气变化的干扰,而且符合美的原则。

这时那些具有纯粹几何形状的笔直的街道也颇具魅力,其中建成于16世纪50至70年代的意大利热那亚城的鲁欧瓦大街可谓雄伟而不朽。这条文艺复兴早期的街道,两旁尽是富丽堂皇的府邸,它们样式不一却以相同的间距组合排列在约8米宽的铺装街道两旁。佛罗伦萨人乔治·瓦萨里(PiorgioVasari)认为这是整个意大利最华丽和宏伟的街道,他设计建造的著名的乌菲齐大街与此十分相似。

之后,法国人在罗马街道基础上推出了一种相对轻巧而又不失坚固的街道标准;英国人则将街道铺装得低而平整,步行道以路沿石分隔并相对升高,称之为“现代化”街道;美国人在17世纪时期也开始对城市街道进行标准化铺装。还有风景如画的郊区化街道、笔直且秩序井然却了无生趣的“拜—诺”式街道、回归中世纪式无规则的具有自由感的街道

机动车时代的到来加速了城市街道的深刻演变,尽管早期不少人曾经拒斥而后才逐步接受这种革命性的交通工具。随着汽车更多地在城市出现,欧美各国兴起了对街道的全面规划,力图以完美的空间秩序塑造与机动车时代相适应的更为规范和标准的技术性城市街道。

世界各地城市的规模迅速膨胀,伦敦、巴黎和纽约等更是急速扩张。在那些巨大的城市,街道修建得更加宽阔,两旁不仅出现了宏伟的新公共建筑物以及咖啡店、办公区、大酒店、百货商店等,还耸立起巴黎风格的先锋建筑和纽约风格的摩天楼。与此同时,城中还出现了两旁或中间种有树木的巴黎式的林荫大道或维也纳式的绿色环城街道,之后,凌空飞架的高架路、巨大的苜蓿叶式立体交叉、多车道的快速路等新的街道形式大量出现。

这当中既有流行于20世纪初叶的纵横交错的直线格栅街道模式;也有美国城市规划师斯坦和赖特基于英国花园城市理念的兰德博恩城市街道——突破格栅街道限制的安静且与绿地相通的尽端路居住街道模式;也有英国城市规划师勒·柯布西耶基于美国格栅城市设计的公园式环境的高架街道。

从20世纪70年代开始,共享街道理念推动了新一轮的居住街区的街道设计革命,最初产生了荷兰人德·波尔所设计建造的乌勒夫街道模式。④这种模式将交通与居住活动统一在同样的空间中,其设计特征是将街道视为居住性的公共空间,不鼓励交通畅行无阻;行人与汽车共享路面,但行人优先,可以在街道各处步行、娱乐;车行道与人行道没有严格区分;车速和行车受自然状态的屏障、弯曲度等约束。乌勒夫构想很快成为欧洲大陆和日本、以色列等国家实施共享街道的基础,形成了在各国街道建设中具有持续主导性影响的“联合街道系统”。

而在美国,关于优秀街道的构想也逐渐发生转变。针对以往宽阔的街道、城市高速公路、停车场等大量开发惊人地耗费土地,客观上形成了大量闲置的街道空间,自20世纪90年代起,多个城市兴起“街道瘦身计划”,大幅度缩减街道的宽度,推广适度狭窄的街道。

城市和城市街道的演变源远流长,丰富复杂。每个历史时代都有与之相应的城市,街道则以物质方式记录城市的历史。每一条街道既是历史的产物,又是历史的承载者。历史持续不断地在街道积聚,留下不同时代的印记。即使经历漫长的岁月,这些印记依然会以某种方式留存、呈现,或者是某座建筑、或者是某片街石,又或是街道的形态、结构、尺度、氛围,乃至被岁月磨蚀得难以察觉的某些痕迹。历史深深溶于街道,蜿蜒的街道是凝固持存的历史之河。

我们行走于城市街道,就如同在静静流逝的历史之河漫溯。时常不经意在某个街角、拐弯处或屋檐下,蓦然就读到城市的历程和以往的生活,体验到街道的历史凝固持存之感。这是街道所给予我们的极为重要的感受。

在广州,且不说那些赫赫有名的街,光是普通某条街道就足让人深感历史长流不息的存在。譬如六榕路,沿路南行,两旁密集的民居当中,首先可以看到始建于南朝梁大同三年(公元537)年又重建于北宋元佑元年(公元1086年)的六榕花塔。这座57米的高塔连同整座以初唐诗人王勃的题字命名的六榕古寺,朱栏碧瓦、古朴庄严,令人恍若重回唐宋。再往南行,街道西侧是明清时期南海县衙所在的旧南海县社区,区内有大量建于上世纪二三十年代南洋风格的华侨建筑以及《大公报》报社旧址;东侧是明代中期提督府行署及清康熙年间统领驻粤八旗兵的广州将军府所在地,如今此处还复建了一幢漆红色的将军府大门。南边近将军西路一带明显带有西方风格的连片楼宇,则标示了近代的城市社区。

同样,从巴黎塞纳河左岸进入并漫步于圣米歇尔大街,俨然是一次历史之旅。你可以在街道的东侧看到古罗马遗迹,建于公元3世纪的高卢—罗马浴池就座落在藏有大量中世纪艺术品的克吕尼博物馆内。这个前身为中世纪民间宅邸的博物馆建于1480年至1510年间。尤其是,以巴黎保护神的名字命名的圣热内维埃夫土丘,时刻让人想起罗马占领时期的城市;附近的克洛维路,则令人想起法王克洛维打败罗马人建立法国的历史辉煌。附近还有巴黎闻名于世的建于1253年的索邦大学,以及始建于1764年的安睡着伏尔泰、卢梭、雨果等伟人的万神殿。街道西侧,则有建于17世纪的卢森堡花园,在此散步可到达辉煌的卢森堡王宫。圣米歇尔大街被认为是一条商业化的街道,但街道作为历史承载者的固有属性并不因此有所改变,它始终动态地凝结着历史,呈现可追寻的历史脉络。

许多重要而独特的历史街景,总是在很久以前某个瞬间悄然进入我们内心的。它占据记忆深处某个角落。当我们日后某次漫步,忽然重遇这一街景,或者邂逅类似景观,记忆霎那被唤醒,顿时我们沉浸在对这街景的辨认与思索中。这种辨认与思索,其实是我们在进一步认识自己。此时我们才知道,原来街道上这些事物它一直潜藏在我们意识之中,它对于我们原来如此重要。

最有震撼力的街景往往并非单个孤立的点,而是在街道的线性空间中多点连续的意象之流,就如同我们在广州六榕路或巴黎圣米歇尔大街上看到的那样。充满历史建筑及遗迹的街道所以具有魅力,其中重要的原因在于它体现了街道线性空间持续不断的蜿蜒流变之美。

有时,街道给人的感受十分奇妙:我们之一次来到某处,却觉得那样熟悉,那些建筑,那些窗户,那些大门,还有临街的阳台,街角的拱廊,一切仿佛早已认识。就连街上的氛围也觉亲切,好像我们的生活曾经与它关联。是我们很久以前曾经相遇,那些影像早已潜藏于我们意识深处抑或我们凭借心灵的印象,忆起了被摹仿的旧街原型我们只是可以断定,这与历史相关。街道如此神秘。

毋庸置疑,街道之所以充满灵动鲜活之气,是因为人的活动。是历史与生活以及我们的记忆与情感,赋予了街道奥秘的生命。街道深沉地说明了我们从哪里如何地走来。如果我们珍视历史珍视生活,并且珍视我们的记忆与情感,那么,我们理应珍视城市和它的街道。

(写于流花湖胖)

■注释

①参见杨万秀、钟卓安主编《广州简史》广东人民出版社1996年3月第1版P388;张仲礼主编《东南沿海城市与中国近代化》上海人民出版社1996年7月第1版P270

②参见张仲礼主编《东南沿海城市与中国近代化》上海人民出版社1996年7月第1版P271—272;杨万秀、钟卓安主编《广州简史》广东人民出版社1996年3月第1版P482

③见[美]迈克尔·索斯沃斯伊万·索本-约瑟夫著李凌虹译《街道与城镇的形成》中国建筑工业出版社2006年9月第1版P15

④荷兰语,意即“像丛林一样的园地”,见[美]迈克尔·索斯沃斯、伊万·索本-约瑟夫著李凌虹译《街道与城镇的形成》中国建筑工业出版社2006年9月第1版P112

■本文或有未完成感,因其系约2万字的原文的之一章节。其余部分主要内容是分析城市街道的流变以及进一步述说广州街道。为免发文太长,这些余下部分或适时单独另发。

■在此街道系列完成之际,特别要感谢提供精美合作的摄影师杨和平老同事(本系列第1—8辑照片均由杨女士拍摄提供)。杨女士喜欢“街头摄影”,喜欢拍摄小地方和小人物,喜欢用影像陈述故事,曾经用这些手法陈述过《伦敦:视而不见》、《SanRemo:逝去的优雅》以及《维也纳:有一种咖啡叫忧郁》这样的平凡故事。这个广州街道图文系列,如果没有她的合作,整个计划是无法完成的。她的精美独特的影像作品,令此系列大为增色。谨此致以诚挚谢意!

20190429

二次元日系插画——温馨治愈的画风衬托出每个少女的美感！

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插画有哪些常见的画面风格

一、时尚风格插画

无论是日系还是欧美向,普遍都不会选择特别艳丽的色彩,多是以比较清新淡雅,尤其是自然界和日常生活中常见的色彩为主。因为这类颜色比较具有耐看性,即便是盯着看也不会产生审美疲劳。我们在此类画作的处理上也需要注意这一点

二、幽默风格插画

比较常见的是采用夸张的手法造型,这一点在欧美风格中非常常见。色彩的选择上也是比较夸张化,让人一眼看过去就忍俊不禁——

当然日系二次元风格中,也有很多很优秀的搞笑幽默风格插画,一般会走比较偏可爱而Q版的人物,尤其是胖乎乎的脸部和圆圆的眼睛是其标志性特征——

三、唯美主义风格插画

宁静而又平和就是这种画面的主旋律,对于习惯了激烈对抗的大场面的同学来说,偶尔看一些此类作品,你会感觉整个身心都平静下来一般

在色彩方面,一般说来都是以偏中性和冷的主色调最为常见,出现的人物一般不会有太过张力的动作,有的时候为了渲染寂静的气氛甚至舍弃人物当然,为了避免画面过于沉闷,偶尔也会加一些动态效果的元素打破画面

画面中的雨就是这种“静中有动”的感觉——

远处的流星,并不太显眼,也增加了画面的可看性——

四、写实主义插画

应该是最常见的风格了吧是什么样,就画什么样,把那些最需要表达的东西表达清楚,还用多说么

五、Q版风格插画

对于Q版,大家真的是再熟悉不过的吧商品包装,页面设计,游戏人物无论是二次元,还是欧美向,各种大头娃娃一般的造型永远都不会过时。那或者憨态可掬,或者天真无邪的表情,真的是能让人都要融化了一般——

六、机械科技插画

沉重的钢铁和齿轮,纹丝不动的建筑,以及有设计感的内切割这些都是机械与科技风格中的常客。和我们所接触到的小清新不一样的是,机械科技没有那么多花里胡哨的色彩,一般三四个颜色足矣。有些甚至黑与白两种就解决问题

像这种设计师,干脆利落的用近乎只有黑白两色解决问题。但是效果却令人惊叹——

色彩也并不丰富,但是那种庄严浩大的气势,至少是非常成功的表达出来了——

日系里也有很多这种画师,与**姐搭配形成一种“反差萌”,近期有玩过《少女前线》都应该对这位画师不陌生吧

七、装饰主义风插画

多是以装饰性的内容为主,比较注重对线条的处理,在色彩的搭配上比较灵活,既有偏淡雅的

也有这种比较醒目的—

八、影像合成风插画

我们在前阵子的教程中,曾经给大家说过,很多商业向的项目,一般都是一个月的时间,如此短的时间,是不可能给你很长时间对一些细枝末节的地方进行精细刻画。这个时候,贴素材就是一种非常有效果的 *** ,我们也有种说法叫“半P半画”。

在很多概念设计中,这种 *** 也是常客,特别是有的时候,设计师为了确定某个地方加树或者是建筑之类的是不是合适,但是直接画的话太消耗时间,这个时候直接从照片上截取就可以了

除了概念设计师以外,现在有很多二次元画师也会采用这种 *** ,比如下列这张**姐插画——

二次元插画的特点是什么？

二次元插画的特点就是简化、美化和夸张,所以二次元的人物都比较美型,对画师的功底有要求。

冬季出游季来了，这5种旅游海报模板可以给你设计灵感

大多数人难以从工作中获得价值,而拉起行李箱,去往新的风景,来一场哪怕是两天的旅行都能成为生活的调剂品,让人获得新的可能。

新冠疫情爆发以来,许多人不得不取消了旅行计划。但是经过漫长的10个月,在国庆中秋双节期间,国内旅游又迎来红红火火的旺季。如今,秋冬悄然来临,元旦将至,新一轮的冬季出游开始复苏。下面为你介绍5种旅游海报模板,选择你喜欢的风格开始创作吧~

复古风格Retrostyle

旅行海报始于20世纪初期,那时,铁路公司会委托艺术家,采用相同的版式,设计宣传旅游城市、度假胜地和周末出游地的海报。

海报的色彩十分鲜艳,张贴在车站非常引人注目。手绘的插图复古气息浓郁,叙事性强,给人一种冒险、新鲜、迷人的印象。

1900年到1940年期间的旅游海报还受到了不同风格艺术运动的影响,例如装饰艺术、新艺术运动等。

为你推荐民国风复古旅游海报>>

噪点插画FlatIllustration

AlexAsfour是来自迈阿密的平面设计师兼插画师,在阳光明媚的南佛罗里达州经营自己的工作室IdeaStormStudios。

在业余时间,AlexAsfour非常喜欢绘制旅游和风景题材的插画,出版了一本世界旅行海报集。

这些扁平风格的插画多由色块组成,简约清新,远景构图让画面显得十分开阔,引人入胜。

另外,AlexAsfour还在天空、山脉、汽车等场景上添加了噪点,柔和的渐变色填充颗粒感强的肌理质感,不仅赋予插画层次丰富的立体感,还让整个页面都显得非常精致细腻。

插画的色彩多为暖色调,复古气息浓郁,低饱和度的扁平风色彩柔和又轻快,活力十足。海报以插画的图形视觉呈现为主,文字较少,包含主副标题和辅助信息。

AlexAsfour在排版时,考虑到了插画的构图和色彩,文字样式和编排与整体协调呼应。

为你推荐扁平风插画海报>>

几何图形GeometricShapes

在20世纪,许多旅行社不再委托艺术家,转而邀请商业设计师,海报风格就变得更加现代、简约。

如今,孟菲斯风格在平面设计非常流行,特点是大量使用点、线、面等几何元素,排版活泼大胆跳跃,色彩鲜艳明快、对比强烈。

来自印度孟买的设计师ToralBheda运用这种风格创作了一系列极简的旅游海报,将各个国家或地区的代表性元素,如地标建筑、国旗、文化等,用抽象化的视觉语言呈现出来,画面简单但充满趣味。

品质摄影GreatPhotos

旅游风景地的宣传离不开摄影师,好的往往可以让人看一眼就产生“这辈子一定要去xx”的想法。

大片气质的摄影,加上简单排版的文案,这就是许多日式小清新风格的旅游海报套路。

每一张获奖海报作品都可以打印出来当作装饰画,摄影照片从构图、色彩到光线、主题,无处不在展示美丽的自然风光。

图形创意CreativeGraphic

在海报中表达创意的想法也是常用的广告套路,人们对有趣、新颖的东西排斥感较低。旅游海报的内容是吸引游客,如何表现景点的优美就是一种值得发掘创意的思路。

例如,巴西ALMAPBBDO为旅游杂志《TOPDestinos》设计的平面广告非常新颖,用蛋糕形式呈现形象生动地表现瀑布风景。渐变灰色背景中,大面积的绿色和小面积点缀的清澈蓝色让人眼前一亮。

再比如,这张滑雪主题的旅行广告,海报没有出现任何景点,只使用办公桌上的几张纸和一个曲别针搭建了简单形象的滑雪场景。一看就是针对上班族推出的旅游广告,文案和画面引起强烈的共鸣。

哪里有田园风景画？

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安远跨省推销田园风景本报安远4月9日电江西安远县车头镇的6位村干部昨天携带自行 *** 的果园大棚风光照片、VCD光盘等,前往广州推销田园风景。为让更多的外地游客欣赏到安远的田园风景,有效促进特产外销、农民增收,该县的广大干部把推销田园风景

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橘子音画适合隐居的田园风景,你愿意和谁来此共度一生-西祠胡同橘子音画适合隐居的田园风景,你愿意和谁来此共度一生返回《逐乐天下》关闭窗口我喜欢这样的风景,喜欢在这样的地方小住但时间不能长。我离不开信息社会,离不开飞速发展的文明。

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美图欣赏:一幅生动和谐田园风景画鸟"牛"花香_新闻中心_新浪网

新浪首页>新闻中心>国内新闻>正文美图欣赏:一幅生动和谐田园风景画鸟"牛"花香在龙港至金乡的公路边,记者发现几只灵动的鸟儿围着一头正在吃草的水牛上下翻飞,草丛中秋花绽放,俨然是一幅生动和谐的田园风景画。

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发展特色农业田园充满生机玉州区特色农业经济带生产规模不断扩大,总面积已达15万亩_

本报讯(记者叶万松通讯员黄宇翔)初秋时节,在玉州区名山村的无公害冬瓜生产基地的瓜棚上,挂着一只只冬瓜,犹如一幅美丽的田园风景画,充满了生机。社会新闻>正文发展特色农业田园充满生机玉州区特色农业经济带生产规模不断扩大,总面积已达15万亩

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[2005-03-0909:36:57]喜欢鸣翠苑,是因为她像一幅田园风景画。说她像田园间婷婷玉立的一位少女,因为她身上独有的清纯与泥土味。走进鸣翠苑这幅田园风景画,你会享受到所有的美景美食美意。

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榕树下-评论:落霞如歌·随笔五月回乡

查看榕树下积分奖励计划朴素的文字、真挚的感情、美丽的故乡。若不是父母的年老、耕作的不便、劳作的辛苦,这就是一幅优美的田园风景画。其实正是因为父母的存在使得这幅画更感人!

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文星网上书店--图书详细资料

枫丹折露优美的森林,富于诗意的田园生活激发着画家的灵感。在18世纪刚开始的时候,罗热·德·皮尔(在1708年初版的文集中)把农村风景画或田园风景画同历史风景画对立起来,其目的是为了更加生动、多种多样、直接地表现大自然。

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田园牧歌秋色艳迷离四川摄影12日游_网易旅游频道

网易>旅游频道>旅游线路>田园牧歌秋色艳迷离四川摄影12日游早起翻折多山,游览有摄影家天堂之称的——新都桥:绵远的山峦,蜿蜒的河流,平坦的草地,挺拔的白杨,蓝天白云下,散落在碧草绿水间的慢牛、快马,藏式民居,构成一幅富有异国情调的风景画。

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画家张冬峰和他的田园-国际在线-文化频道

张冬峰坚持对广西亚热带的南方风景进行了多年的油画探索,终于在把南方丘陵地区这一平时被人们熟视无睹的、完全不成风景的风景画出了一个新的天地。画家张冬峰和他的田园他在风景画中着力表现的人文情感和人文精神,也已经远远超过了一般风景画

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中国美术

没有人物登场的纯粹风景画最早是以素描等小画面形式出现的。从15世纪起,风景从在当时还发展了"理想风景画",呈现牧歌式田园景光。示了当时压抑的社会情绪,被称为俄国历史风景画。日

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秋水手绘工作室-田园小景(风景画3)-作品介绍

·漫画+插画在线超市··论坛··注册新工作室·读图时代——田园小景(风景画3)[所属类别:PC绘画—风景画]田园小景(风景画3)(预览仅供参考)

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淡淡哀愁中的田园-探访康斯泰勃尔

很少有画家能像他那样,一生只关注寻常的田园小景,并传神地凝聚在画面上,使之充满了诗意和生机在他之前的英国风景画,一直受到法国画风的影响。而自从康翁登上画坛,法国画家们才算领略到纯正的英国风景画。

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卡通风景画中国风景画风景画壁纸

创意插画如何设计

一、内容

对于商业插画而言,内容的创意其实是最不容易让人觉得它有创意的,但是如果内容的创意能够做好的话,对于设计师而言是个非常不错的成长机会,那么做内容创意时需要注意什么呢在设计的时候可以先从普通的内容着手,结合自己的独特体验和简洁,画出让人耳目一新的画面。

二、构图

构图的设计技巧内容有许多方面,肯定不能一一讲述,构图设计中,我们可以选择叙事类的构图和非叙事类的构图。指内容含有一定故事感的构图,非叙事类构图,就是和叙事类构图相反,不具有明显的故事性,画面一般也没有现实背景,更多的是通过比较隐喻的方式,表现一种观点的构图类型。

三、造型

造型创意可以说是设计师表现力和创造力的重要方面,每一个设计师有着不同的造型表型,造型上的创意,也是更具有辨识度的。

四、色彩

不同的主题对色彩的使用是具有限制性的,也就是说,不是每一类型的配色都适合同一类主题。设计师一般创作的主题具有类似性,所以一般会采用同一套色彩搭配。而一旦接到不同主题类型的委托,就需要结合品牌等因素来改变色彩。

请问有谁知道下图中的黑色衣服是日式什么服装？

这是男士长袖和服。自己百度下就知道了。

和服种类

按日本传统和服的种类很多,不仅有男女和服之分,未婚,已婚之分,而且有便服和礼服之分。男式和服款式少,色彩较单调,多深色,腰带细,穿戴也方便。女性和服款式多样,色彩艳丽,腰带宽,不同的和服腰带的结法也不同,还要配不同的发型。已婚妇女多穿“留袖”和服,未婚**多穿“振袖”和服。此外,根据拜访、游玩和购物等外出的目的不同,穿着和服的图样、颜色、样式等也有所差异。

留袖和服

女性参加亲戚的婚礼和正式的仪式,典礼等时穿的礼服。以黑为底色,染有五个花纹,在和服前身下摆两端印有图案表示已婚妇女使用叫“黑留袖”和服。另外其它颜色的面料上印有三个或一个花纹且下摆有图案的叫“色留袖”。

长袖和服二

未婚**的之一礼服,根据袖子长度分为“大振袖”,“中振袖”和“小振袖”。其中穿得最多的是“中振袖”。例如:成人仪式,毕业典礼,宴会,晚会,访友等场合。因为这种和服给人一种时尚的感觉,所以已婚妇女穿“中振袖”的时候也越来越多。

访问和服

整体上染上图案的和服从下摆,左前袖,左肩到领子展开后是一幅图画,近年来作为更流行的简易礼装而大受欢迎。开学仪式,朋友的宴会,晚会,茶会等场合都可以穿,并且没有年龄和婚否的限制。

小纹和服

一般作为日常的时髦服装,整体上染有碎小花纹,很适合用于练习穿着,约会和外出购物的场合。如果是年轻的女性,也可以用于半正式的晚会。

9回复:·日本传统服饰·

男式和服

男子和服以染有花纹的外褂和裙为正式礼装。除了黑色以外其它染有花纹的外褂和裙子也只作为简易礼装,可以随便进行服装搭配。

(个人觉得没有武士服好看)

素色和服

这是一种单色和服(除黑色以外),如果染有花纹可以作礼服,如果没有花纹则作日常时装服。

“付下”和服

袖子,前后身,领子的图案全是自下而上的方向印染的和服总称。比访问和服更轻便舒适。

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来 *** 逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是之一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的****,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》 *** 的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(FXLeyendecker)创作的艺术品。

之一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市 *** 后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产 *** 并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于 *** 内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工 *** 的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典 *** 为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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服装设计中常见的插画的艺术风格有哪些？可以详细说说吗？

1波普风格

波普风格的插画艺术出现、流行于20_兰50_甏呐分薜厍,主要通过商业艺术的创作手法,形成融合大众文化与商业艺术的全新艺术风格。同时,波普风格中相对浮夸的卡通形象、报纸版画形式及幽默的标语,共同组成独属于波普风格的特色,且波普风格的艺术性非常强[3]。安迪·沃霍尔是在服装设计领域中对波普风格拓展贡献最为杰出的人物之一,首次开创了纸质、塑料、人造皮为服装 *** 基础材料的先河,并且在其插画作品中包含了颠覆传统的设计理念,具有色彩鲜艳、设计理念前卫及选色大胆等鲜明特点。直至今日,波普风格的插画仍保留与安迪·沃霍尔较多的相似之处。

2抽象风格

通常,抽象风格的作品普遍以几何化的点线面、圆形、三角形、正方形为主体进行深入创作,在创作风格上具有典型的抽象性特点。蒙德里安是抽象风格作品中相对成功的早期人物之一,其抽象风格的创作方式较为独特,侧重利用形式多样的矩形图案作为插画内容,且此类插画艺术形式对抽象风格的影响深远。以法国著名抽象风格服装设计大师创作的作品《红黄蓝》为例,此作品深受蒙德里安抽象风格的启发,选择多种颜色的线条、三角形、长方形,给予广大受众独特的艺术欣赏体验感受,并赋予作品强烈的视觉冲击感及新奇感。

3具象风格

具象风格不同于上述提到的两种风格,其图形特点普遍写实且逼真。再者,具象风格作品对线条的展现相对直接,可进行装饰性的泛化、夸张及变形处理,从而提高作品的色彩感,突出作品的简洁性及精致性。以意大利著名服装设计师缪西亚·普拉达为例,曾拥有将插画直接用在服装设计创作的实力,可以将插画作品布满在服装设计作品当中,且其作品侧重精心细腻化创作人物造型,突出作品的色彩及绚丽感[4]。此外,具象风格中线条展示相对飘逸,可以给予受众心理如梦如幻的体验感受,尤其是应用在服装设计当中,能有效提高设计作品的精巧程度,赋予设计作品灵动的美感。

日本包装设计特点

日本设计专家G田史仁曾在他的著作《02秒的设计力》中提到,其实顾客在走进商店前,很少先想好买哪个品牌的产品。这就意味着消费者的购买决策是在货架前决定的。而让商品映入眼帘的时间,只有02秒,想要在这个瞬间让顾客惊叹一声“哇”,并且愿意驻足停留,抢眼的包装起着关键作用。

这个设计力法则,无非是说包装设计要讲究和消费者沟通,让人们一眼看到并感受到设计的力量,进一步对产品产生兴趣。日本设计在设计界独树一帜,或简约舒适,或可爱至极,日本的食品饮料包装,也常常令人印象深刻。

我们之前写过不少篇关于食品行业日系包装的文章,比如将借鉴日本将情感注入包装设计、日本食品包装给我们划了哪些重点等等,但都是从我们中国人的角度去看日系包装,是一个学习和观察者的视角。而今天,我们想从日本人/设计界的视角,来聊一聊日系包装设计。

虽然日本包装设计在业内独树一帜,有很多创意,但创新的意义在于变化,所以这么多年来,事实上日系包装也在发生变化。同样的,作为旁观者我们可能无法贴近更符合日本设计界的前沿,G田史仁为我们带来了日系包装设计未来的3个趋势。

氛围感:

首先是氛围感。氛围感这个词近来在中国也很流行,是一个审美的趋势。而在日本设计界,指的是产品通过设计,给消费者带来的“身临其境”的感觉。

G田史仁举了一个例子。在日本有那种装修风格非常未来主义的酒吧,但酒吧只提供没有酒精的饮料。这种酒吧的存在,是因为现在日本年轻一代更注重健康的生活方式,并不想摄入很多的酒精饮料。另外一种氛围感来自日式居酒屋。居酒屋是日本特色的饮食店,但是日本的年轻人觉得一些传统居酒屋看起来好像和他们的风格并不是很相融,所以现在日本诞生了新式居酒屋。这种新式居酒屋,在装修设计、菜品上更符合年轻人喜好。

不难发现,相比于喝酒,年轻人更爱和朋友聚在一起小酌谈天的氛围。

体验感:

这里说的体验感,指的是消费者基于产品包装设计的分享意图。在社交时代,一个好的包装能够出圈,很大程度上来自消费者的自来水传播。

可尔必思在去年推出了一个“放学后”夏季限定系列。没开封时,瓶身上是一个独自走路的男生,一瓶喝完之后,你会看到包装的另外一侧出现一个女生,这两个人手牵着手。这样利用可尔必思本身液体乳白色的巧妙设计,激发了人们的分享欲——大家会把前后的照片拍下来对比。

后疫情时代的改变:

疫情对全球产生了巨大的影响,日本当然也不例外。在后疫情时代,日本的包装设计也发生了相应的改变。比如因为线上的购物会越来越流行,所以包装设计时需要考虑在电商的环境更能够吸引消费者。

此外,包装的标签和包装盒,可以尽量简单,因为线上购物可以帮助我们降低成本,节约资源。G田史仁表示,越来越多的公司希望可以通过包装设计来提升品牌价值,而数字品牌化变得越来越重要,怎么样可以通过网站、线上商店、社交媒体来实现品牌化成为战略。

为什么日本的包装设计那么受欢迎？

日本是世界上最讲究包装的国家之一,他们的包装设计一直以来是包装行业的翘楚。那么到底是什么原因让日本的包装设计如此受欢迎呢

想要知道答案,必须从日本包装设计的特点说起。日本的包装设计总的来说具有“本土与创新的完美融和”、“注重传统与现代结合的理念”“审视角度的包容性”三大特点。

“本土与创新的完美融和”

日本很多包装设计都渗透着本国的一些元素特征,进而形成了具有日本特点的“本土味道”的包装设计。而形成“本土味道”的原因主要是多元文化的环境和自强的民族意识。或者换句话说:“是日本这个民族强烈的本土归属意识和他们特有的集体理念——这种意识能够催生共同的精神、近似的品味。”

在“日本味”的共同美学精神驱使下,在竞争导致的原创意识强化的社会条件下,在对设计师原创非常尊重的氛围中,日本设计师用心地在传统平台上发挥他们“再创造”的能力。譬如对传统材料的再开发和再加工,使之产生新意。运用新时尚的意味重新将那些细致的图案大量印制在和纸上,再将这类和纸用于未来的设计,这样使“日本味”一直保持着活力和变化。

“注重传统与现代结合的理念”

日本在历史上曾受到中国文化的广泛影响,后来逐渐发展形成了自己的民族风格,这一点在其包装设计中有很好的体现。明治维新运动后,日本实行文明开化政策。国门打开,国外的各种艺术流派、设计思潮全方位传入日本。新艺术运动、包豪斯设计理念等现代艺术对日本设计产生深远的影响。在传统与现代,东方与西方之间,日本探索出一条日本式的现代包装之路。日本传统包装文化经过长时间的积淀和提炼,达到非常单纯和精练的程度,形成一种独特的审美标准。

例如用稻草包装的纯米酒,稻草的柔韧性给玻璃提供了必须的保护,同时展示出了米酒的醇香。在两条草绳编织的提手处还精心的留着十粒未脱的稻米,提示了百分之百的粮食成分。另外贴在包装草上的仿宋版文招贴更增添了米酒的酿造历史,使整个包装融入一片文化氛围之中。还有用稻草包装的鸡蛋,稻草既给了鸡蛋强有力的保护,又将鸡蛋的新鲜感呈现出来。

可见,日本包装设计更大的特征是强调在借鉴和吸收外国先进的设计理念的同时重视发掘和弘扬传统设计风格。传统设计与现代设计共存,既强调民族传统,又不失现代文明。

“审视角度的包容性”

从包装设计的角度来审视来,大致可以将其风格归纳为两大类别,一类是现代的“洋”式,另一类是传统的“和”式;尽管还可以分出综合形态,但是“和”、“洋”两类还是主要类型。就像日本街头的少女,有染着五颜六色的头发,身着夸张开放的时尚服饰的形象,也有穿着传统的和服、木屐,踩着细小碎步,典雅矜持的形象。这两类风格交相呼应,引人注目,让人感到传统与现代,质朴与时髦和谐共存。

基于着几个原因,让日本的包装设计长期备受本日本国及国外人的青睐。总的来说,只有具有本土特点,不断创新的包装设计才能够成为设计领域的风向标。

其实在中国也有很多不错的包装设计同样具有以上三个特点,如茶叶包装、美食包装等。只要在学习中不断进步,相信中国国内的包装设计一定能够掀起设计领域内的一股新潮!

日本在产品包装设计印刷方面有什么特点吗

日本在产品包装设计印刷方面的特点

日本的设计行业一直领先于世界,日本的包装设计也具有自己的独特魅力。极大丰富的物质商品要求巨大的市场,因此包装设计成为商品竞争的一个重要途径。编者通过对日本包装设计的观察和分析,总结出日本包装设计和设计的设计特点。国外牛皮纸面包品牌包装设计作品欣赏

一、日本市场包装设计的“之一印象”

1“洋”、“和”两式包装各显风采

此行途经东京、富士宫、京都、奈良、大阪、名古屋以及爱知世博会等地,一路走马观花,来去匆匆,走过街头小店、纪念品店、专卖店、超市、百货公司、大型商城。之一印象是日本是一个供大于需的社会,商品琳琅满目。从包装设计的角度来审视,大致可以将其风格归纳为两大类别,一类是现代的“洋”式,另一类是传统的“和”式;尽管还可以分出综合形态,但是“和”、“洋”两类还是主要类型。就像日本街头的少女,有染着五颜六色的头发,身着夸张开放的时尚服饰的形象,也有穿着传统的和服、木屐,踩着细小碎步,典雅矜持的形象。这两类风格交相呼应,引人注目,让人感到传统与现代,质朴与时髦和谐共存。

“洋”式包装彰显日本当今都市生活主流民众的消费心态——追逐时尚、开放和崇洋;而“和”式包装则是反映了日本人对本民族传统文化精神依恋的情结。

日本今天的“和”包装之所以为笔者关注,首先是因为设计师在发扬民族风格特色的同时,还力求使作品具有时代性,从而产生出一种新的时尚风格;其次是因为它的东方精神与我国的传统文化有着千丝万缕的联系。今天的日本已经在来自传统中国文化的基础上加入了日本特有的民族文化精神,并在此基础上寻找到了日本化的气息和现代时尚的语境,走出令人们赞叹的日本包装艺术风格的新道路。设计师儿时作品:面粉包装设计欣赏

2传统出新的材料、精致的工艺和精心的设计

日本的产品包装透出的品质感给人留下很深的印象。从包装的表面看:不仅从图形创造和色彩的运用等方面显示出深度,更可见设计师从选材和工艺上精益求精的那份用心。图形和色彩主要围绕着传统的审美和民族文化,而材料的选择则从自然入手,通过现代的工艺使之变得实用美观,形成有明显日本特色的包装形象,充分显示出素以工作严谨著称的日本人在包装艺术上的才智。

这种才智还表现在如下方面:其一,与包装相关的材料工业、加工工艺及其系统发展得相当完备,诸如和纸、漆艺、木作等传统手工艺的现代时尚化;其二,图形设计和 *** 的相关研究、传统手工艺的深化研究以及商业情报工作都做得比较扎实。这些都为设计创作提供了很好的基础。因此,在日本商店中很难找到粗制滥造的东西,从最小的牙签,到日常生活用品;从单一的个体产品,到系列化的产品组合;从机器生产到手工 *** ,件件都精雕细琢,引人入胜。

3环保理念在包装设计和 *** 中处处体现

日本是个岛国,地少人多,内在的资源危机使他们形成了很强的环保意识。这种环保意识是 *** 及其相关组织、教育和民众意识觉悟的结果。它反映在日本民众日常生活的方方面面。同样,在包装设计中,设计师自觉地考虑到环保因素,成为他们常态的思维方式。在设计实践中对材料的选择和开发上,均以不污染环境,易于回收再利用的材料为首选。设计师创作的具有新意的邀请卡手提袋包装设计欣赏

二、解读设计产生的背景和原因

1日本设计教育中形态学、传统图形学和感性工学的深入研究是关键通过对现象的观察我们可以追索这种设计产生和实现的背景。日本学者对现代设计基础教育作过深入的研究,并逐渐形成有自己特色的理论和 *** 。他们曾对西方的构成主义造型思想和色彩学作过深入的研究和演绎,以日本特有的细分观念,构筑了所谓的“三大构成”教育体系;同时,他们没有放弃对东方的传统图案学的研究和演绎,诸如以“和服”服饰为轴心的传统图案与加工工艺(诸如草木染、扎染、刺绣、手绘等)的研究,这种将传统图案学与形态构成学并举的研究方式,必然呈现相互借鉴,共同发展的格局。

此外,随着市场竞争的日益激烈,以消费需求为导向的产品开发模式渐为主流。因此,对所谓的“感性工学”理论体系的研究在日本日趋成熟。它实质上是一种运用工程技术的理念与手段来探讨“人”的感官与“物”互动之间产生的不同“感受价值”及其关系。在产品设计领域,它将人们对“物”的感性意向定量地表达出来,并与产品特征相关联,设计出符合人们期望的产品。

2多元文化的环境和自强的民族意识,催生了设计中“日本味”的形成在日本,不难感受到根植这方水土的多元文化,有完全拷贝欧美的事物,有古代中国传入的“禅境”意味,也有纯日本的质朴与华丽,更有新近爆发出来的“日本时尚”。然而,能够引起笔者注意的仍然是具有“日本味”的东西。揣摩着这些“日本味”的成型,其中最重要的是日本这个民族强烈的本土归属意识和他们特有的集体理念——这种意识能够催生共同的精神、近似的品味。

这种不断发展的“日本味”在日本包装设计中呈现出明显的视觉特征。传统设计中的很多语言,在现代的包装中都有体现。就图案而言,主要以抽象为主,题材以植物图案(梅、樱、藤、菊)、动物图案(龙、凤、鱼、鸟)、器物图案(碟、扇子、团扇、茶道具)、麻叶、网眼和龟甲以及传统的家徽和几何图案为主。此外,在和服和古代妇女头饰中使用很多的“结”的元素,在包装中都有很好的运用,并作了新的演绎和变体。而围绕着“日本传统色”的应用,从传统绘画、图案、服装、食品等领域中产生了一系列具有日本本土特色的色彩语汇,并在包装上形成了具有日本特色的色彩。

当然,比较完善的广告和营销学的体系、强大的基础工业、发展比较健康的传统手工艺体系,也是设计理念得以实现的保障。这对“日本味”的实现——传统文脉的延伸与出新提供了很好的环境。设计师对黑谷宝品牌饮料的黑色包装设计欣赏

三、对几个小产品包装设计的案例分析

案例一:果子

果子,日本的传统小甜品,常作茶道的“伴侣”。一般用米粉做成,分硬软两种,硬的类似饼干和米饼,软的类似中国的糯米糕团。对于中国这样的饮食大国,这种味不惊人的小点心似乎不值一提。然而,正是最普通的点心,经过设计师们精心的设计和包装后,在日本的日常礼仪生活中扮演了非常重要的角色,成为上好的礼品。

首先,果子形态、色彩的设计和 *** 变化多样。其次,经过包装,使其在市场上呈现出不同的档次,价格在几千日元到几万日元不等。大众化的包装一般是三层。最外层是包装纸,以日本漫画、传统图案或文字作为主要图形,也有的直接用日本和纸。第二层是纸盒,盒内套着塑料的隔层,果子就整齐地排列其中,也有单独塑料包装的。贵重的礼品装,则有四层或者更多层,除了外包装纸和盒子的设计更为精致之外,单独包装的这层也更花心思,有用防渗透涂层涂刷过的手工绘画的包装纸,用手工 *** 成各种形状,就像一丝不苟的艺术品。这种本是普通的甜食,被塑造成贵重的礼品。

案例二:酱菜

同样的包装特点表现在另一种不起眼的食品——酱菜上。日本设计师在酱菜包装上的确下了颇大的工夫。为了传达自然、环保的概念,酱菜的包装大量采用自然材料,或仿真(树叶、竹叶)材料;有时将它们形象地塑造成原初素材的样子,像整条萝卜、整棵白菜,努力地表达出一种回归自然生态的含义。正是经过各种用心的设计,产品的附加值才得以提升。

案例三:便当

便当是日本日常的快餐类食品,一般超市和小店都有售卖。针对上班族中的不同阶层,其产品档次和包装不同。经济型的包装是普通纸盒和仿木纸盒,高级的则是仿漆器的木盒或塑料盒。这种设计来自传统的日本餐饮,都用木、陶制器具,并用漆盒盛放。如今,都市上班族追求这种饮食感觉,设计师便沿用这种方式,所不同的只是用容易回收的纸类材料如再生纸、再生木来 *** ,使人在食用的时候既能享受传统的美感,又可节省成本。

日本成功的包装案例多不可胜数,在国际化的进程中,这些设计理念和设计特色将为设计师提供新的思路,使设计师在设计过程中更加注重自己的特色,展现自己独有的魅力文化

城市街景线稿体现了什么

注意事项:

1、抓准透视。

2、将街景的繁复内容概括,化繁为简。

3、多体现线条的多样性,交接处完整,谨慎控笔。

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豆瓣93的游戏改编动画，《双城之战》如何打造动画天花板？

拳头游戏耗时6年 *** 英雄联盟动画《双城之战》,于11月中旬结束之一季,影评和观众口碑通通大爆。

本来,我觉得这就是一个粉丝福利向的动画,毕竟,游戏改编动画翻车的案例不胜枚举,只剩下粉丝群体圈地自萌的情况非常多见。

但是双城之战确实是一个个例,一开播在豆瓣的评分一度就飙到了93,烂番茄也是100%的新鲜度,IMDB上也有95的高分,而在网飞的收视率,已经登顶了52个国家,在美国区的排名,也已经上升到了第二位,已经超过了前阵子爆火的《鱿鱼游戏》,成为网飞收视榜的之一名。

毫无疑问,《双城之战》成功了,拳头继游戏、电竞之后,在娱乐领域再次打造出了一个爆款产品。而拳头游戏副总裁林松,也曾在首映仪式上表示,《双城之战》既是开端,也是里程碑,它将会成为拳头游戏未来十年的新计划。

1故事开端:双子之城

一个故事,两座城,自古以来大家就对这种对立的艺术表现手法不陌生。双子城邦代表着天然的戏剧冲突,上流与底层,繁荣与破败,无论观众身处在哪个时代,这都是接受与理解门槛极低的故事开头。

《双城之战》同样决定将开端聚焦在皮尔特沃夫和祖安这两个城邦,由本就形象与新娘哥哥备受联盟玩家青睐的金克丝(JINX)与蔚(Vi)的姐妹故事引入,以更贴近现实的概念背景,为观众打开大门。

标题《双城之战》中的“双城”,分别指的是符文之地中的“皮尔特沃夫”和“祖安”。它们坐落在两块大陆中间的一个地峡之中,由于优越的地理位置,自古以来,这里便是贸易活动的咽喉要道,港口和商业十分繁荣。

前者“皮尔特沃夫”是被誉为“进步之城”的城邦。因为商业贸易的繁荣,为当地家族商会带来了数不清的财富,然而这些财富又能让他们有实力去资助许多新奇的领域。

因此,无数梦想高远的发明家们聚集在这里,如饥似渴地寻找着改变世界的科技,他们在无形中推动“皮尔特沃夫”的快速发展。

后者“祖安”,则是另一种情形。在这里,剧毒的工业污水横流,浑浊的灰霾随处可见,肮脏的街道上遍布着各种垃圾与工业废弃品。

虽然祖安一直处于混乱和按照之中,但这里依旧繁华与热闹。因为,它有着大陆上规模更大的黑市,许多运往皮尔特沃夫的商品最终都辗转流入了祖安的黑市。这里的居民鱼龙混杂,涵盖三教九流,高低贵贱,甚至还有许多被放逐的科学家,他们从事着危险的实验。

事实上,皮尔特沃夫与祖安本为一体,甚至祖安的发展要比皮尔特沃夫要更早一步。但由于无休止的矿石开采和工业建造,最终引发了海水倒灌,冲垮了这座城市最古老的部分。权贵们也因此放弃了祖安,转而将目光投向皮尔特沃夫地区。

随着时间的推移,这两者逐渐发展成为了各自独立且拥有截然不同文化的城市,如果说,“皮尔特沃夫”代表的是地上的光明,那“祖安”就是阴沟里面的黑暗。

但双城故事的魅力绝不流于简单的表面冲突,每个人的多面性往往能在撕裂中得到最真实的呈现。随着立场与利益的更迭,成长与误会的发生,人物角色渐渐丰满起来,这让即使是抱着最“随便看看”心态的观众,也会不自觉地为这些以往只存在游戏中的人物投入真情实感,给整部剧集的质量献上一个好评。

2诚心出品:视觉盛宴

但是,这本来是一部本来是粉丝向的作品,怎么就火遍了全球呢我们来看一下这篇动画创作的一些数据:

首先, *** 过程长达六年,有上万张的原画背景,7000多个镜头,一共9集,40分钟一集的这个 *** 成本高达1000万。独特的是,这部动画里,所有的场景都是纯2D的手绘,没有建模,也就是说,这是一部由一张张2D的画,再通过使用,3D角色的这个风格化渲染,以达到4K**中,可用的这个视觉特效体验。

首映时,更是有人直接将这部动画定义为“上达当前动画 *** 的天花板”,基本上,可以断定是拳头娱乐这几年更大手笔的作品没错了。

拳头娱乐相当有诚意,每一帧都是白花花的银子,这样的 *** 能不精良吗我们可以看到其他动漫,有的时候稍微有个大场面,就开始心疼的弹幕:经费在燃烧。

这部动画镜头切换之快, *** 之精良,让你即使不了解其中的英雄世界观的设定,本身也是场视觉盛宴,而这,也为良好的作品打下基础。

动画的创作公司决定了这个动画作品的 *** 水准以及美学品味,这部动画作品的创作团队是来自法国的Fortiche,这是一家小型的工作室,成立时间仅12年,但是他们早在2013年,便和拳头游戏进行了合作,这些年也创作了不少例如金克丝的角色动画,kda组合的MV以及2018年S赛的宣传动画《rise》等作品。

虽然从画面上来看,双城之战与现代的这个美式超级英雄动画,比如《蜘蛛侠》等漫威的动画**有一些相似之处,都是当下比较主流的2D3D的画风,但是有艺术基础的观众,会在双城之战中看到那些有欧洲艺术插画风格的影子。

当然,毕竟是手绘的,一是没有那些CG建模渲染出来的光污染,二是更能够控制画面的主次结构以吸引注意力,给人的感觉就像是在这个赏心悦目的插画动起来了而已,非常舒服,同时,人物肖像的油画感的笔触,更加接近写实感,在画面的这个光影色调方面,也不像是美式超级英雄动画那么的跳脱,而是更加注重统一的色调和氛围的衬托,层次感也更强,这种光影色调,也更能突出双城街景,以及不同社会阶级的差异化。

3世代裂缝:角色互动

《英雄联盟》6年的酝酿诞生出了《双城之战》,但它不只是一个被精细手艺制造出来、献给宾客们看的宝贝,它是实现《英雄联盟》下一个庞大野心的发起者。在某种程度上,《双城之战》载着《英雄联盟》跃过两个世代用户的裂缝,并竭尽全力避免着这个全世界更大的MOBA游戏IP跌入生命周期的灰暗低谷。

得益于动画对于游戏角色的细致塑造,片中主角相关的话题讨论热度也一直在网上居高不下,其中更是有不少玩家选择将对于角色的情感嫁接到了游戏中来,纷纷操刀自己喜欢的角色,在召唤师峡谷里上演起了可互动版本的《双城之战》。

根据数据网站lolalytics统计,自从《双城之战》剧情开播以来,其中出场的主要角色登场率在各个分段都出现了显著提升——这对于大多数情况下都奉行强者为尊原则的游戏天梯生态而言,显然是不符合常理的。

由此可见,作为一部官方耗时6年打造的游戏衍生作品,《双城之战》对于游戏用户的积极性的正向驱动效果是非常惊人的。

俗话说,一画胜千言,《双城之战》的出现,让《英雄联盟》铺设多年的世界故事鲜活了起来。在这个娱乐丰满、媒介便捷的时代,没有什么比一部时常适宜、节奏紧凑的动画剧集更能勾起年轻的流行文化爱好者兴趣的形式了。

“我没玩过《英雄联盟》能否看得懂《双城之战》”

是 *** 上常见的提问,而下面的答案往往都是肯定的。确实,《双城之战》从设计出发点来看就不打算在受众圈层中设限。

对于游戏的老玩家来说,看到那些以往只跟随着鼠标键盘移动、嘴里轮流播放固定台词的小人在荧幕上翻转腾挪、使着自己心爱的绝招本就是一件兴奋之事。而《双城之战》还加入了大剂量的情感冲突,无论你先前读过多少关于符文之地的背景故事,看着这些角色笑、哭、恨、悔,这为观众脑里带来的是关于人物性格与整个世界环境的直观植入。

结语:

世界上敢下这么大的投资,且愿意花这么多的时间去为游戏 *** 动画的公司,除了拳头想不出第二家。英雄联盟陪伴那么多人从中学走向社会,而且一直热度不减,看来也是有其自身原因的,那就是不断的创新。

在《双城之战》里,你能看到斗争,也能看到合作,可以看到数不清的仇恨,也能感受到真挚动人的感情。影片中许许多多的细节,以及它所刻画的“英雄联盟世界“值得我们不断去探索。

《双城之战》既是结束,也是开端。在取得了如此亮眼的成绩之后,拳头游戏无疑会加大对该领域的投入,或许在未来。随着“英雄联盟”动画剧集的不断丰富,它能够成为下一个漫威也说不定。对此,甚是期待。

同样在11月,拳头游戏CEO在推特发文透露《双城之战》第二季进度,好消息是:您不必等待六年时间,坏消息是:它不会在2022年到来。

动画片怎么 ***

自己如何 *** 动画片啊

动画有很多种类,可以分电视动画和 *** 动画,又可以分为平面动画和三维动画。动画的传统做法是一张一张的画出来的,电视上看的一般是一秒钟24桢,也就是说,传统画动画每秒钟有24张画组成。像《小蝌蚪找妈妈》《葫芦娃》等动画就是这样画出来的。

现在 *** 动画主要是用更流行的flash来 *** ,flash这个软件有非常强大的动画 *** 和处理功能。《宝贝女儿好妈妈》就是通过flash *** 的。

三维动画主要是通过三维软件,如3D *** ax,等来 *** ,它可以虚拟一个三维空间,建立三维模型,让模型在三维空间里运动,最后生成可播放的影音文件。《神探威威猫》就是点形的三维动画。《蓝猫》的部分片段或画面,也是通过这个 *** *** 的。

动画片怎么 *** 出来的

动画片 *** 是需要一个流程的

关于动画的 *** ——动画的分工

1原作或企画:创作原剧本,故事,小说的人。

2脚本:将剧本或小说详细化的工作,具体到人物的对话,场景的切换,时间的分割。

3总监督:导演,一部片子全靠他了!

4作画监督:负责整个作画的风格。这是一个很大的卖点!

5美术监督:负责整个背景绘制的设定。

6摄影监督:将画片拍成底片这个流程的负责人

7音响监督:配音,效果音,配乐剪辑的负责人

8演出:按导演的风格用极简单的线条画出分镜表对人物的动作,场景做出指示

9人物设定:角色设定,设定一部动画片的人物!

10机械设定:机械设定,设定动画片中的机械如桌子椅子,机器人等等。

11设计稿:将分镜表进一步画成接近原画的草稿,告诉原画如何工作,一般上面都有导演的指示。

12原画:按设计稿画出动画中人物等主要动作的人,造型能力很强,有良好绘画的基础。(我国有些动画加工公司有此人员,数量比较少)

13作监:修正原画的错误,将原画画的不好的地方改正(水平极高)

14背景:画场景的工种,要有很好的水粉和水彩的功底。

14动画:把原画间的动作画全是整个动画片的主要部分,影响整个动画片质量的好坏,人数最多的部门,是最基础的环节,也是工作最累,时间最长的部门。

15动检:保证动画片质量好坏的关键,要有极强的动作观念,罚间想象能力和良好的绘画基础!比动画更累的工作!

16色指定:指定颜色的人。也是比较麻烦的。

17仕上(描上):上色的人,将动画搬到赛路路上然后上色的人,同动画一样,是最基础人数最多的部门,用不着多高的绘画基础,只要不是色盲!有电脑上色。

18总校:察看描上工作好坏的人。

19拍摄:将画好的赛路路片进行拍摄的部门。

20编集:拍好片子以后的剪辑在此会删减掉一些镜头,

21声优(配音):配音。大家比较熟悉的部门

动画**是如何 *** 的

动画 *** 是一项非常繁琐而吃重的工作,分工极为细致。通常分为前期 *** 、中期 *** 、后期 *** 等。前期 *** 又包括了企划、作品设定、资金募集等; *** 包括了

分镜、原画、中间画、动画、上色、背景作画、摄影、配音、录音等;后期 *** 包括剪接、特效、字幕、合成、试映等。

步骤/ ***

1总体设计阶段:

1)剧本。任何影片生产的之一步都是创作剧本,但动画片的剧本与真人表演的故事片剧本有很大不同。一般影片中的对话,对演员的表演是很重要的,而在动画影片中则应尽可能避免复杂的对话。在这里最重的是用画面表现视觉动作,更好的动画是通过滑稽的动作取得的,其中没有对话,而是由视觉创作激发人们的想象。

2)故事板。根据剧本,导演要绘制出类似连环画的故事草图(分镜头绘图剧本),将剧本描述的动作表现出来。故事板有若干片段组成,每一片段由系列场景组成,一个场景一般被限定在某一地点和一组人物内,而场景又可以分为一系列被视为单位的镜头,由此构造出一部动画片的整体结构。故事板在绘制各个分镜头的同时,作为其内容的动作、道白的时间、摄影指示、画面连接等都要有相应的说明。一般30分钟的动画剧本,若设置400个左右的分镜头,将要绘制约800幅图画的图画剧本——故事板。

3)摄制表。这是导演编制的整个影片 *** 的进度规划表,以指导动画创作集体各方人员统一协调地工作。

2设计 *** 阶段:

1)设计。设计工作是在故事板的基础上,确定背景、前景及道具的形式和形状,完成场景环境和背景图的设计和 *** 。另外,还要对人物或其他角色进行造型设计,并绘制出每个造型的几个不同角度的标准画,以供其他动画人员参考。

2)音响。在动画 *** 时,因为动作必须与音乐匹配,所以音响录音不得不在动画 *** 之前进行。录音完成后,编辑人员还要把记录的声音精确地分解到每一幅画面位置上,即第几秒(或第几幅画面)开始说话,说话持续多久等。最后要把全部音响历程(即音轨)分解到每一幅画面位置与声音对应的条表,供动画人员参考。

3具体创作阶段:

1)原画创作。原画创作是由动画设计师绘制出动画的一些关键画面。通常是一个设计师只负责一个固定的人物或其他角色。

2)中间插画 *** 。中间插画是指两个重要位置或框架图之见的图画,一般就是两张原画之间的一幅画。助理动画师 *** 一幅中间画,其余美术人员再内插绘制角色动作的连接画。在各原画之间追加的内插的连续动作的画,要符合指定的动作时间,使之能表现得接近自然动作。

4拍摄 *** 阶段:

这个阶段是动画 *** 的重要组成部分,任何表现画面上的细节都将在此 *** 出来,可以说是决定动画质量的关键步骤(另一个就是内容的设计,即剧本)。

请问日本普通的动画片是怎么 *** 的!!!

首先当然有人画好漫画啦,然后把一张张图扫描上电脑,用类似于PS的技术修改一下(弄去框框里的对白等等),配合编辑写出来的故事情节(因为漫画里的内容有些地方还不够完善,而且也迎合大众口味,所以会增添一些内容,使情节更丰富。所以把漫画与相应的动画对比一下,也就会多出一些内容,这就是原因)。接着把PS后的图图上色,校对,排版,编号。再就是要运用摄像软件拍摄了,这是最关键的步骤了,其实也就是把所有的给按顺序播放,这要逐帧逐帧拍摄,控制好时间是很重要的,还有安排相关人员在旁边担任丹优的工作,计算对白的时间,例如一集动画要用25分钟左右,就要把以上步骤实施的时间进行精确计算,并多次校对,还要在动画片尾加上赞助商广告或是与动画相关的番外后缀、抽奖活动之类的。完成这些步骤后,再进行剪辑,适当加上一些特技之类的东东。最后,让声优对其进行后期配音,这样,一集25分钟的动画才得以完成。我们现在看的动画,无论好看还是不好看,无论一分钟还是一个钟,都是需要几十个专业技术人员经过很复杂的操作才得以完成的,少一点点精力都不行,在我们欣赏动画是,在感叹漫画家的同时,也要对 *** 动画的人员心怀感激啊!!说完了,以上部分细节都省略了,但 *** 一集25分钟的动画至少需要10个人连续工作35个小时(大多数都是这样),希望答案能令提问者满意!!

《葫芦娃》动画片是怎么 *** 的

其实葫芦娃是剪纸动画,那个胳膊的节就是证明。我小时候特别喜欢看,也不明白,现在是动画专业,问了老师,知道的,以前的动画包括现在的手绘动画也是一帧帧的画的。背景不变是因为背景和人物都是分开的,画的时候使用赛璐璐,你可以看宫崎骏 *** 的幽灵公主 *** 特辑,那里面有讲他们 *** 的方式,做动画很辛苦,所以看到一个个小人在电视上蹦来蹦去,其实都是画师一点点画出来的,我们要珍惜我们看到的动画。

动漫 *** 过程是怎样的

◎角色造型设定:要求动画家创作出片中的人物造型。

◎场景设计:场景设计侧重于人物所处的环境,是高山还是平原,屋内还是屋外,哪个国家,哪个地区,都要一次性将动画片中提到的场所设计出来。

◎画面分镜头:这个过程也是非常重要的,它的目的就是生产作业图。作业图比较详细,上面既要体现出镜头之间蒙太奇的衔接关系,还要指明人物的位置、动作、表情等信息,还要标明各个阶段需要运用的镜头号码、背景号码、时间长度、机位运动等。

◎分镜头设计稿:动画的每一帧基本上都是由上下两部分组成。下部分是背景,上部分是角色。背景和角色 *** 中分别由两组工作人员来完成,分镜头设计稿是这两部分工作的纽带。

3具体创作阶段

◎绘制背景:背景是根据分镜头设计稿中的背景部分绘制成的彩色画稿。

◎原画:镜头中的人物或动物、道具要交给原画师,原画师将这些人物、动物等角色的每一个动作的关键瞬间画面绘制出来。

◎动画中间画:动画师是原画师的助手,他的任务是使角色的动作连贯。原画师的原画表现的只是角色的关键动作,因此角色的动作是不连贯的。在这些关键动作之间要将角色的中间动作插入补齐,这就是动画中间画。

◎做监:也就是进行质量把关。生产一部动画片有诸多的工序,如果某一道工序没有达到相应的要求,肯定会影响以后的生产工作。因此在每个阶段都应有一个负责质量把关的人。

◎描线:影印描线是将动画纸上的线条影印在赛璐璐上,如果某些线条是彩色的,还需要手工插上色线。

◎定色与着色:描好线的赛璐璐片要交与上色部门,先定好颜色,在每个部位写上颜色代表号码,再涂上颜色。

◎总检:准备好的彩色背景与上色的赛璐璐片叠加在一起,检查有无错误。比如某一张赛璐璐上人物的某一个部位忘记上色,画面是否干净等等。

4拍摄 *** 阶段

◎摄影与冲印:摄影师将不同层的上色赛璐璐片叠加好,进行每个画面的拍摄,拍好的底片要送到冲印公司冲洗。

◎剪接与套片:将冲印过的拷贝剪接成一套标准的版本,此时可称它为“套片”。

◎配音、配乐与音效:一部影片的声音效果是非常重要的。可以请一些观众熟悉的明星来配音。好的配乐可以给影片增色不少。

◎试映与发行:试片就是请各大传播媒体、文化圈、娱乐圈、评论圈的人士来欣赏与评价。评价高当然好,不过最重要的是要得到广大观众的认可。

手机怎么 *** 动画

下载手机 *** 动漫软件,推荐上手机电脑管家下载,百度也有很多

怎么 *** CG动画

CG动画的 *** ,3D-M梗X、MAYA、ZBRUSH、PS是主要的几款软件,其分工比较细致,有原画、模型、动画、场景、特效等等。另外需要有一定的美术基础~

动漫怎样 *** 成动画

很复杂的,具体就是

1、企划:企划是做一部卡通前的准备工作,包括举行企划会议和 *** 会议。

企划会议---就是把出钱要做这部片子的人和卡通公司的人、以及负责将来要把这部片子卖出去的发行公司,甚至玩具 *** 商等相关的人都召集在一起,讨论要怎么样做这部片子,要怎么样发行这部片子,有没有周边的商品可以开发等,当然更好的状况就是把片子做得又好看、又赚钱,这就必须要靠不同专长的人结合在一起规划,才能将片子做成功。

*** 会议---在前面的企划会议当中,其实也要把一些 *** 的基本内容方向画出来,然后再由卡通公司召开技术、进度、设计方面的会议。

2、文字剧本:不论是自己发明的故事,或将别人写过的故事拿来加以改编都可以,一定要具有卡通的特色,就是有一些好笑、有一些夸张、有一些紧张、又有一些感动,那么这个故事就会受到大家的欢迎。当然,不要忘了要把对白和动作、场景写出来。根据 *** 会议所得到的资料,作家开始编写剧本:

人物出场要写清楚、位置环境、形状大小都要正确明白

对白要准确的透露角色个性

动作也要明白的写出来,才能提供文字画面给脚本画家

绝对要能使动画家有所发挥之处

历史剧要有考据

服装、道具、建筑、自然物等都要将形状写出来

3、故事脚本:文字写好之后,就要画成画面,但它并不是真正的动画图稿,它只是一连串的小图,详细的画出每一个画面出现的人物、故事地点、摄影角度、对白内容、画面的时间、做了什么动作等。这个脚本可以让后面的画家明白整个故事进行的情形,因为从「构图」之后的步骤,就开始将一部卡通拆开来交由很多位画家分工绘制,所以这个脚本一定要画得越详细越不会出差错。

将文字剧本详细读过,经由动画家以卡通语言再整理消化后开始绘制分镜脚本

人物位置,地理环境都要画出

场景要十分清楚

对白、动作、音效、秒数都要写好

镜头运用、特效(如透过光、高反差)也须注明

脚本绘制工作更佳人选应当由对**十分了解的卡通导演担任

视线、进出场方向、观点都要画得很顺畅

4、造型与美术设定:造型设计就是根据故事的需要,将人物一个个设计出来,而且还要画出他们之间的高矮比例、各种角度的样子、脸部的表情、他们使用的用品等。

美术设定就是一种视觉上的感受,包括色彩、明暗、透视感、线条等,这整个就构成了一部片子的「美术风格」,像「龙猫」的感觉就很温馨、青翠、舒适,这种风格很适合用来表现亲情之间的故事,而「蝙蝠侠」就是一种夸张、压迫、强烈的感觉,用这种风格来表现正义与邪恶间的对抗非常的适合。

主角、配角与丑角要有很明显的差异(比例或服装、颜色、五官)

应考虑动画或下游作业是否会有困难(不可太复杂、琐碎)

造型与美术风格要配合(形状、色调、考据)