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导读： 小小咖啡名堂不小，品啜咖啡之余，您可知道咖啡的显赫历史，宗教方面，曾掀起“撒旦饮品”或“基督徒恩物”之争，经济层面影响更深远，伦敦证券交易所、英国洛伊德保险集团和纽约证券交易所，均肇始于人潮鼎沸的咖啡馆。政治上也催化法国大革命。让我们一
小小咖啡名堂不小，品啜咖啡之余，您可知道咖啡的显赫历史，宗教方面，曾掀起“撒旦饮品”或“基督徒恩物”之争，经济层面影响更深远，伦敦证券交易所、英国洛伊德保险集团和纽约证券交易所，均肇始于人潮鼎沸的咖啡馆。政治上也催化法国大革命。让我们一同回顾这段咖啡浪漫史。
咖啡一 语从何而来，引起学术界不少困扰，有人认为源自衣索匹亚一个名为kaffa或kefa的地区，语音上近似咖啡，然而，此说并不成立，因为早期居民称咖啡为吉玛而且 *** 世界不曾以来代表咖啡，很显然是西方人在语音上的穿凿附会。
十一世纪至十六世纪， *** 势力大肆扩展，北非、土耳其、印度南部和西班牙，深受可兰经影响，咖啡也成了宗教味十足的饮料。麦加的僧侣将咖啡介绍给埃及、波斯、叙利亚等国，喝咖啡也成了 *** 仪式的一环，年长僧侣祈祷前先啜一口圣碗里的咖啡，再传给其它信徒饮用，提振大伙的精神。
咖啡的妙用不胫而走，也从宗教殿堂走进“俗世”。起初 *** 徒把生咖啡豆煮水来喝，到了十五世纪土耳其人才发明先把咖啡豆炒香再捣碎加水煮来饮用的喝法，风味改善很多。这和今日的喝法很相近了。土耳其人为何想到炒咖啡豆专家认为可能是从生咖啡豆经过日晒产生香味得来的灵感。这个时期咖啡在 *** 世界相当流行，几乎各大城市都喝得到，土耳其人更先在麦加开设咖啡馆，当时称为kahvehkanes成为学生、旅人、商贾、音乐家和说书人聚集场所，他们在咖啡馆载歌载舞，尽情喧哗。当时 *** 人卖给咖啡馆的咖啡豆都是烘焙好或煮好的，并严禁生咖啡豆出口，以免在国外试种成功，破坏 *** 垄断咖啡市场的局面。不过，朝圣的 *** 徒终究将咖啡种籽偷偷引进印度，而成为之一株在 *** 以外地区试种成功的咖啡树，时间是十七世纪初。另外，威尼斯商人也顺利走私咖啡豆到欧洲，总算打破了 *** 垄断两百年的市场。
咖啡馆在 *** 世界大行其道，然而，忠贞 *** 徒却强力抨击宗教饮料世俗化，他们认为咖啡馆的民众言行乖张，思想古怪，过度饮用咖啡会诱导男女做出违反 *** 戒律的行为。另外，医生为了自身利益也反对咖啡馆，因为咖啡具有疗效，咖啡馆开太多，人民随处买得到咖啡，会影响医生的收入。一五一一年麦加下令查禁咖啡馆，并没收市面上的咖啡，然而，喝咖啡风气太兴盛了，民众都躲在家中偷喝。咖啡馆在 *** 世界大行其道，然而，忠贞 *** 徒却强力抨击宗教饮料世俗化，他们认为咖啡馆的民众言行乖张，思想古怪，过度饮用咖啡会诱导男女做出违反 *** 戒律的行为。另外，医生为了自身利益也反对咖啡馆，因为咖啡具有疗效，咖啡馆开太多，人民随处买得到咖啡，会影响医生的收入。一五一一年麦加下令查禁咖啡馆，并没收市面上的咖啡，然而，喝咖啡风气太兴盛了，民众都躲在家中偷喝。
咖啡与欧洲：十五世纪末至十六世纪初，咖啡已是中东地区大众化饮料，但也被视为一种药物，欧洲各国驻土耳其帝国大使及商贾，也认为咖啡是健康饮料，具有特殊疗效，诸多正面评价有助咖啡输入欧洲。德国名医兼植物学家洛沃夫早在一五八二年就写了一本有关咖啡的书，然而，更先进口咖啡豆的却是威尼斯人，时间是一六一五年。
常规来讲，行业的发展就是对传统的赓续，而从新餐饮时代开始，这种对于传统赓续的动力就被打破了。
我们看到，当下行业的发展思维和过往都已有了本质上的差异，常言道“三级餐厅卖产品，二级餐厅卖氛围，一级餐厅卖认知”。事实也是如此，常规餐厅在面对竞争时只精攻产品，而忽略了产品以外的系列内容，有些从业者洞悉到了单从产品下手难以破局，于是在做好产品和在做好氛围的情况下，这类模式就将核心放在了认知方面。
有趣的是，如果大家都在顺应认知，这时候反其道而行的玩法似乎更能吸引市场目光。
2019年11月，海底捞在上海红太阳广场开了一家粉色主题门店，当时因疫情原因，该店开业不到一个多月就暂停了营业，之后待上海再开放餐饮堂食的时候，这家店的生意也不温不火。然而到了今年9月，在金九银十的市场生态下，这家粉色的海底捞却因其“用色大胆、宠粉”而被推送到各大社交平台。业内才关注到，原来海底捞在上海开了一家粉色的门店。
同样在上海一带，一家经营川菜的孔雀餐厅(孔雀川菜、孔雀皇朝、金孔雀)在面向市场的时候，它取用的却是与菜系认知极为“不搭”的淡雅清新风格。该品牌不走川菜传统的木色、大红等调性，呈现的是以一种淡雅的“孔雀蓝”作为主色调，其品牌标志用的更是和大红无关的白孔雀。
在筷玩思维(wwwkwthinkcn)看来，这类餐厅给市场的感觉就是既突破了传统，更打破了认知，说得极端些，它们可以说是对于传统呈现的革新与对抗。在当下，不止是餐饮业，而是几乎整个商业都陷入认知革命的氛围，如(国际)奢侈品做线上、餐饮入驻便利店/超市、书店卖起了文化和氛围等。
即使对抗传统确实成了常态，但这也并不意味着传统就失去了价值，大多所谓的认知革新其实就是借助传统认知的固化事实作为阶梯以打开新的认知，由此，一味的反传统其实并不是入局认知对抗与革新的正途。同时还需要注意的是，改改门店风格和调性等并不代表就是做到了反传统的革新玩法，对于一家实际经营的门店来说，如何找到突破传统、打破认知的 *** 论与必要性才是持续发展的核心基石。
✔突破传统、打破认知，反其道而行的相关案例正越来越多
从餐饮业发展的实际看，这两三年来行业变化最明显的要属餐厅装修方面的革新，少部分新餐厅走的也是反常规的路子。海底捞的粉色餐厅于2019年开业，孔雀系列川菜早于2016年前后就定了与川菜调性相反的淡雅风格。
2017年左右，喜茶弃用了原先惯用的“黑土风格”，一大批黑金、白金、纯白、ins风的新门店进入市场，如果要谈粉色，早于2018年喜茶就在西安开了第五家粉色门店。
吃喝这一经济体虽然被称为“餐饮业”，但论发展之胆识，“饮”总是跑在了“餐”的前面。以2020年在成都网红街开业的“O chengdu”新派咖啡酒馆为例，该门店的色调被刷成了白色，店内也没有固定的桌椅，有些位置甚至只有椅子而没有桌子。
该门店大的反常规玩法有两处：1)、这家店的设计就不是让人好好喝咖啡的，一帮顾客到店打卡四处拍照，咖啡只不过是入场拍照的“门票”；2)、单从店名“O chengdu”难以看出这是一家销售何种产品的门店，甚至该门店的招牌也极其简单，只有一个孤零零的“O”驻立在门头上。
如果不是路过门口看到那一台显眼的咖啡机，人们基本不知道这是一家咖啡厅，再者，从店内桌椅的布局，路人即使从外面看到该店也不会认为这是一家咖啡厅。实际上，这家店白天是咖啡馆、晚上就成了小酒吧。更好玩的是，该店在点评上都有两个店名。
严谨的日本人也敢于发起对传统的对抗，在日本惯例中，女性是不能作为主厨的(日本文化有这样的限制，但略小众)，Yuki Chizui餐厅就突破了这一认知，该餐厅从主厨到服务员全部用了女性，就连照常应该走素色的厨师工服都被换成了卡通可爱风。
在传统认知中，咖啡就是外来的产物，咖啡是咖啡，茶是茶，浮生咖啡就将西式咖啡装入了中式盖碗(茶碗)中，其环境也以中式为主，给人一种旧茶新喝的感觉。该店以咖啡、茶、茶点作为组合，西方的咖啡装入中式茶碗，再搭配中国风和中式点心，虽找不到传统的韵味，但顾客入了局就成了局内人。
浮生咖啡的店名也用的是混搭风格，咖啡是西方的，浮生是东方的，将两者放在一起，就有一种既洋气又不洋气的淡雅韵味。
✔从认知革命谈装修破局与反抄袭：单一装修风格与多元装修实际的对抗
在文章开篇，我们是以孔雀川菜和海底捞门店的特殊装修氛围作为引子，再之后又举了喜茶、O chengdu、Yuki Chizui、浮生咖啡这几个品牌的例子，从体验的角度看，它们都确实在“装修”上有一定的新玩法，也都对固有的传统认知做了一定的突破。
但是，对于以上现象如果只看表面是不行的，我们还是得从中找到一些逻辑上的必要性。
先进入O chengdu的案例，传统咖啡馆基本是装修成暗色系、黑色系、灰色系，这是取决于咖啡本身应有的色调。酒馆也是如此，酒的调性多浓烈，人们又喜好在晚上喝酒，基于此，大多酒吧也多用暗色调布局。夜晚的颜色是黑暗，咖啡的原色也是黑暗，黑暗对应的就是亮白，一家黑色的咖啡酒馆中规中矩，但一家白色的咖啡酒馆就是绝对的反常规了。
实际上，如果只看色系，那就可能导致天下咖啡一般白了，当下白色风格的咖啡馆其实也并不少，在白色风格特点以外，O chengdu的大胆之处在于“暧昧”，它既能让路人感知到这是一家咖啡或者酒馆，但又从座椅布局和体验去除了这样的认知。而浮生咖啡不走绝对的白色路线，它用的是茶碗和中国风来装饰咖啡。
孔雀川菜就是要去除传统川菜红红火火的热闹感，所以用了蓝色。问题是：为什么是蓝色？蓝色是忧郁和稳定的颜色，在偏暗的环境中，蓝色也比红色更显眼，所以蓝色又有永恒的蕴意，从这个角度，永恒的蓝色确实与红色的躁动形成了绝对的反差。
那为什么是孔雀川菜而不是狮子川菜，也不是老虎川菜，甚至也不是大象川菜？在八大菜系中，川菜有着“一菜一格，百菜百味”的标签，孔雀不仅有百鸟之王的称号，鸟类的灵动也不是其它物种能比拟的。大象川菜则显得笨重，老虎狮子类的则与杀伐有关。
Yuki Chizui特殊的突围方式是反抗男性主导主厨的固有认知，该餐厅只 *** 女性作为服务员和厨师，更用卡通可爱风的服装反传统。
那什么是装修呢？将以上内容做个融合，我们可以列出两个层面：
之一类是最常规的门店装修，如单一色系、场景、布局等，但这类容易被抄袭，如大家都是白色的咖啡馆，这就落了俗套，由此，我们就可见好的装修一定是多元的、有逻辑的，而非单一且浅薄的。O chengdu以白色系为包装、以隐藏品类为布局，其品牌设计走的就是多元的玩法，但这一套是纯粹的反认知，劣势在于加固了生客的认知障碍，如果不是引流高手和财力丰厚者，这招可学不来。
第二类是以反传统的文化理念作为“装修”，浮生咖啡和Yuki Chizui皆是如此，原本没有这样的文化理念，但品牌方开辟了一个新的小众文化，这就形成对固有文化的反叛了(也可以说是反传统)。这类不怕抄袭的原因在于新文化理念往往过于小众，它需要一定时间做市场验证，所以抄袭派大多对之比较淡定。而如果不理解其中“反文化布局而生出新文化”的关键，没有一定的同类情怀，后来者也根本不会有入局分一杯羹的念头。
到此就清晰了，当下餐饮时代的装修并不止于色系、场景、布局等，新文化理念、餐具、氛围、服装、品牌设计等都可以纳入装修的范畴。
但是，对比顺应传统的入局方式，对抗传统的成本更高，那么，从业者为什么非得生发出对抗的情绪来入局呢？换句话说，对抗情绪的目的是为了什么？又该如何评判对抗方案的优劣？
✔好的对抗是为了解决问题，而不是情怀，其中有哪些关键？
顺应传统大多平淡无奇，也不适用于竞争，而对抗传统就更容易构建一种瞬间的惊异感。
以火锅为例，早前顾客吃火锅就很少会去关注环境，不知有花·鲜花串串火锅店就将花的场景搬到了门店，以此来调动顾客好奇心，从而实现比其它竞争对手更高维的获客玩法。对于已经去过海底捞的顾客，当他们看到还没去过的粉色的海底捞门店也会走进去瞧瞧，这样一来，新消费的需求就浮现了。
在连锁品牌的体验中，如果产品不能变，那么场景就成了主要的获客工具了。即使不是连锁品牌，门店以反品类认知来做呈现也是极好的获客工具，比如白色的咖啡店、蓝色的川菜馆、开在故宫的星巴克(已经搬走)，这些不常见的情景都会调动顾客猫儿一般的好奇心。
就如同盲盒，也如同薛定谔的猫，如果人们不亲自打开看就不知道里面到底装的是什么。我们发现，这类突破认知、反传统中对抗的对象不仅是品类认知，更是在对抗顾客固有的认知。要知道的是，对抗不仅有红利，也更是有后果的。
比如一家白色的咖啡馆即使成功吸引了顾客的注意，但顾客到店却发现自己不喜欢，或者门店没有顾客心里要的感觉，那么顾客对这家店就会由粉转黑，所以一家门店的认知对抗到底是为了情怀还是为了解决问题以及要解决的问题是否真实存在，再到解决至何种程度，这个出发点和方向深度是很重要的。
再从行业看，粉色之类的门店最早在2016年左右就有了，而多年过去该色调一直不温不火，但在今年的顾客评价中，我们却看到了市场对之有一种惊喜般的接纳。可以看出，市场对于此类反传统、反认知玩法的接受度正越来越高。
盒马鲜生将餐饮引入自营板块，这也是对于传统的突破，过去顾客买了生鲜只能回家烹饪，要用餐也只能到超市外的餐饮区，盒马模式不仅做到了让顾客在现场用餐，也能让顾客买好可以搭配的调料和配菜回家烹饪。
如果一切都不过是商家的自嗨，顾客作为付费方自然是不认的。我们可以看出，好的对抗是能解决问题的，商家给出的解决方案对标的也应该是过往顾客心里对已有需求解决方案的未满足障碍。
问题来了，如果白色的咖啡厅、蓝色的川菜馆、粉色的火锅店在当下确实颇受顾客欢迎，那么后续该品类的风格都要这样定下来吗？我们又将如何评估此类突破传统的认知革命是良性的？
要知道，餐厅对于任何新方向的探索都是一次可能作死的尝试，老板再有钱任性，开店也不过是为了赚钱，如果后续得不到顾客的认可，那将是一次资金和资源的双向浪费。
1)、激发顾客好奇心：好奇心不会凭空生成，逻辑必然性很重要
以白色的咖啡馆为例，传统的咖啡馆都是深色风格，这与咖啡本身的色调有关，顾客看到深色系就能瞬间想起这是一家咖啡馆，所以传统并非就是不好的，传统能够让顾客更快识别一家餐厅的经营类目并焕发顾客对于该经营类目的亲和度。
当一家白色咖啡馆落地时，在逻辑的必然性中，老板需要回答这样一个问题：为什么不是蓝色、粉色、**、褐色、红色？答案并不复杂，白色是离咖啡(黑色)最远的一个色系，离得足够远就成了不可能，一旦不可能，就在顾客心中种下了一个反抗的种子，最终才能成了必然的关联性。
研究色系的人也能发现，在任何色系中，只有白色和黑色是最没有性格同时又是最有性格的特殊颜色，正是如此，一家白色的咖啡馆才不会引起顾客的抗拒，才能让顾客带着“不可能”的好奇心走进门店。
粉色的海底捞就不需要用色彩来解释了，它靠的是与其它海底捞门店不同色系满足度的差异来获取顾客的持续流量。
蓝色的孔雀川菜倒是值得一提，白色的饮品店很多，而白色的餐厅很少，这取决于品类的不同，顾客喝饮料需要一个安静的氛围，白色就成了一个很好的倾听对象，所以不管是咖啡馆还是奶茶店，白色都是不错的风格。
但是川菜馆就少有人用白色来承载了，孔雀川菜用的是蓝色，因为它要表达一种淡雅风，而淡雅也可以中和川红的热烈。如果用的是白色就会触发新的调性，白色虽然没有性格，但它会让红色过于明亮，这就自然和淡雅无关了。
蓝色可以与红色形成强烈的对比，同时蓝色搭配红色，又可以中和蓝色的忧郁以形成宁神的风格。这对于看惯了红红火火川菜馆的顾客来说，孔雀川菜确实触碰到了顾客心中的那根弦。
PS：红色指的是川菜在顾客认知记忆中的颜色，并不是说孔雀川菜用了红色作为基色。
我们还能看出，如果只是褐色的咖啡馆、**的川菜馆、白色的烤鸭店等，其中如果没有逻辑的必然性是肯定不能真正调动顾客好奇心的。
在筷玩思维看来，逻辑的必然性指的是新的场景是否与品类本身有关，是否与顾客(对于品类)的(原有)认知有关。比如说将**和川菜搭配在一起，顾客找不到其中的逻辑必然，这就自然形不成好的认知关联，也自然无法激发顾客的好奇心。
PS：我们并没有说**不能搭配川菜，只是说单纯的**和川菜的认知关联过低，如果老板想要用**搭配川菜也是可以的，但需要其它的关联作为市场认知的逻辑主线。其中的关键在于：没有必然的逻辑，好奇心是难以形成的，且好奇心也不会凭空生成。
2)、从引流到引动消费的关键：要有让顾客走进门店的设计
拨动顾客好奇心的作用只有一个，那就是引流、让顾客进来。
但我们要知道，对于一个新的事物，单凭一个好奇心是不足以成为消费推动力的。引流的秘诀就在于一个词：开放。
O chengdu咖啡酒馆将门头刷成了白色，诺大门头只留一个让顾客看了不知所以然的“O”，如果这家店是封闭的，那么就相当于断了客流，而O chengdu很聪明，它把外墙换成了玻璃，然后将调制咖啡的吧台放到了最为显眼的位置，顾客在门外看到这台咖啡机和背后的酒柜就知道这是一家饮品店。
当顾客进店发觉这果然是一家饮品店，这时候顾客就会很欣喜并产生一种“一切都在我的掌控之中”的感觉。至此，门店成功完成引流。
PS：好设计的关键是让顾客的心理活动尽在门店掌控中，但在具体体验中要让顾客产生一种自有的“一切都在我的掌控之中”的错觉。商家必然要操控顾客，但顾客天生讨厌 *** 控，所以好的操控是让顾客产生自 *** 控的感觉。
这其中的关键还在于：假设顾客远远看到门头写着“O咖啡”，如果顾客暂时不想喝咖啡，那么他的目光就会散开。这就是犹抱琵琶半遮面的好奇心设计带来的聚焦作用。
3)、完整消费的出口：顾客需要的惊艳感不能少
浮生咖啡将咖啡和盖碗融合在一起，这个动作也就只是在成都才能生发并投入市场，成都人喜欢盖碗茶又喜欢咖啡，有这样的文化情节，浮生咖啡才能将这两种要素放在一起。
如果浮生咖啡开在了别的地方，人们可能既不理解也不认可，这就不利于新事物的发展。
好奇心和引流之后的下一个关键就在于：惊艳感。
如果单单只是将门店刷成白色就以为是反传统了，这是错误且浅薄的思想，其后果不仅是顾客容易对之失去兴趣，门店在面临抄袭时也毫无办法。由此看，在体验中构建惊艳感的设计才是核心。
将咖啡装进盖碗，这个场景要有惊艳感，首先得让顾客对于盖碗和咖啡都产生一定的兴趣，由此才能生发惊艳感。
一家名为方物的甜品店的惊艳感来自于“美”，首先人们要对甜品有感觉，然后也听过“美得不可方物”这句话，同时更得体验过传统的甜品店的种种“不美”。方物的反认知突围点就是装修，元素是硬装和盘碟的美感。顾客明明是来吃甜品的，但却有了买椟还珠的惊艳感。
O chengdu的惊艳感来自于“艺术美学”，该门店在选品上也用了美学的思维。
举个例子，如果是一盘摆好的烤鸭，它的美感来自于还没动筷子之前的最初摆盘，一旦顾客动了筷子，这盘烤鸭的美感就没了。O chengdu卖的是饮品，它在选品的时候就考虑到了产品的色泽、搭配、样式以及这杯被“动了筷子”的饮品和桌子、背景墙等位置的视觉体验。
O chengdu给出的思考是：好的惊艳感一定是有纵深的贯穿效应，一个人在化妆的时候美不算真的美，只有在突然被泼了卸妆水变成花妆的时候也美，这才有惊艳感。
到此，我们小结一下：对于一家粉色的火锅店、蓝色的川菜馆、白色的咖啡馆，从最初的角度看，它们确实做到了反常规的玩法，此举在当下也颇受欢迎，但是，我们不能说它们的成功来自于仅仅是做了不一样的装修，更别以为一家刷了白墙的咖啡馆就能实现引流，顾客可没那么傻。我们对此进行了分析，得出这类反传统玩法背后的三大设计核心：激发好奇心、成功引流、塑造惊艳感。
单单只是做好了装修，那不过是给行业带来一种新的呈现而已，好的装修离不开必然性，只有设计出来的必然性才能让顾客觉得“这种新玩法和我有关系，这是在解决我的需求”。
由此才会引发顾客的好奇心，但激发关联度的好奇心仅仅是之一步，有了好奇心，还得用更多元素去推动顾客，要给顾客展示更多有趣的信息，才能实现真正的引流，再通过整体设计的惊艳感作为体验核心，最终才能实现完整的消费流程，这才是真正反传统、反认知的完整设计思维。
✔结语
在文末，我们还是得再来谈谈一些看似不重要但又很重要的其它关联要素，一是品类位置，二是高质产品关联。
将川菜馆开成蓝色的，这不能只是品牌方的情怀，也不能只是老板的自嗨，好的设计是无关情怀更无关自嗨的，该设计的本质要能在大品类市场中找见自己的一席之地，要想清楚蓝色的川菜馆是解决了川菜这个品类什么样的痛点？
在孔雀川菜中，它就突破了常规川菜一贯红红火火的传统风格，通过淡雅风让川菜给顾客呈现了不一样的新消费体验，再通过独特而中心确定的品牌设计以及多品牌联盟，一个新的品类路径就被开辟出来了。
解决了品类位置后，还得回到最核心的产品，一家咖啡馆将风格刷成白色，用好看的壳子做包装，这必然会加大顾客对于实际产品的希冀，如果最终的产品不能给顾客想要的惊艳感作为交付及关联，那么顾客的兴趣很快就会消亡。
所以我们要说，整套反传统的突围设计要有逻辑、要有必要性、要有主线贯穿感，最终还要考虑到惊艳感。毕竟门店风格做到了反传统，那么产品哪里能次之呢？
从实际看来，顾客要的并不只是一家白色的咖啡馆，新派而大胆的装修只不过是一个引人入局的窗口而已，在整体设计中，门店还需要用开放的格局展现内部空间的其它装修要素作为引流动力，实际体验中，以产品惊艳感为交付的体验核心也必不可少。
只有到了这一步，门店才能回过头来说，“我们用新派而大胆的反传统设计给行业注入了新的血液”。在筷玩思维看来，这其中的关键其实没变：找到品类位置和顾客体验的必要性与多元逻辑尤其重要。
突破传统、打破认知且不能自嗨，一切玩法不能脱离真实的品类和需求，一切优劣，顾客和市场这类付费方说了算。
咖啡厅的设计，最重要的首先是确定你的定位，包括你的经营模式、你希望的顾客群体类型，然后再考虑风格。你要开开豪华咖啡厅还是卡座式小咖啡馆？店内只卖咖啡，还是「咖啡＋糕点」、或「咖啡＋糕点＋简餐」？只有确定了这些，你才能确定风格，确定了风格后再能谈到如何设计装修。鉴于你什么信息都没提供，我只能给你一些世界上修的咖啡厅设计案例，你可以参考一下，再根据自己的实际情况设计，下面多图，流量预警：
莫斯科Babetta咖啡馆设计
布拉格“protiproudubistro”咖啡馆设计
伊朗德黑兰Espriss咖啡馆设计
希腊雅典ITCafe咖啡馆设计
成都芒果树咖啡馆设计
北京伴山咖啡馆设计
德国图宾根Primo咖啡吧设计
俄罗斯GreenVillaPizza咖啡厅设计
不知道是否已解决了你的疑惑，希望我的解答对你有所帮助。山西地区的朋友如果有任何装修方面需求或想了解相关知识，都可以私信我，我们将为您提供一对一的咨询设计服务。
工业设计史上的流派与组织[21大流派] 新古典主义 新古典是指资本主义初期更先出现在文化上的一种思潮,在建筑和设计史上指18世纪60年代开始在欧美盛行的古典方式。18世纪前的欧洲,巴洛克和洛可可风格盛行一时,其繁琐的装饰与贵金属的镶嵌逐渐引起啦人们的厌恶。在探求新的设计风格的进程中,希腊、罗马的古典建筑成啦当时的创作源泉。1750年,罗马庞贝遗址被发掘,在欧洲引起啦研究古典艺术的热潮,人们认识到古典艺术质量远远超过巴洛克与洛可可,促成啦新古典的产生与流行。 新古典追求古典风格和简洁、典雅、节制的品质及“高贵的纯朴和壮穆的宏伟”。在建筑上追求建筑物体形的单纯、独立和完整,细节的朴实,方式的符合结构逻辑,并减少纯装饰性的构件,显示啦人们对理性的向往。新古典在各国的发展虽然有共同之处,但多少也一些差异,大体上在法国是以罗马式样为主,而在英国、德国则是希腊式样较多。新古典风格也体现于当时的产品上,其特点是放弃啦洛可可过分矫饰的曲线和华丽的装饰,追求合理的结构和简洁的方式,构件和细部装饰喜用古典建筑式的部件。英国新古典家具的成就很大,其中涌现啦一大批优秀的设计师,他们长于设计朴素、实用的方式，其设计出来的产品成为啦现代家具设计的先声。 折衷主义 在19世纪,一个更为直接和严峻的问题是风格上的折衷主义。所谓折衷主义那就任意模仿历史上的各种风格,或自由组合各种式样而不拘泥于某种特定风格,因此也被称为“集仿主义”。随着生产的商品化,需要用丰富多彩的式样来满足和 *** 市场,于是希腊、罗马、拜占庭、中世纪、文艺复兴的情调杂然并存,汇为奇观。同时,19世纪的交通已很便利,考古学大为发达,加上摄影术的发明,帮助人们认识和控制啦古代遗产,以致有可能对各种式样进行拼凑与模仿。 工艺美术运动(Arts and Crafts Movement) 现代工业设计的先导。说它是一次运动,是因其影响波及面大,具有国际意义。18世纪从英国开始的工业革命,使机械产品渗透到人类生活的各个地方。与过去手工制造的产品相比,呈现明显机械化特性:一些产品的造型和装饰设计,仍照搬传统手工业产品的样式,使难于应付复杂方式的机器产品比过去用长时间精雕细琢的手工业产品显得粗糙低劣;一些产品因按照机械生产的特点重新设计,其单纯简洁的样式,却使许多认为只有花样繁琐的传统样式才代表精致完美的消费者难以接受。所以,非常不成熟的工艺美术设计,面临着新旧过渡时期的困难。以英国诗人、文艺批评家拉斯金和画家、工艺美术设计家莫里斯为代表的传统派,一面在理论上展开啦批评和宣传,一面积极致力于设计实践。他们不满当时机械化产品的粗糙、简陋,认为真正的工艺产品应既实用又美观,企图恢复中世纪传统作坊生产的手工产品的标准的手工技艺和完美而精致的设计。为此,莫里斯建立啦自己的染织作坊,亲自设计并以手工 *** 各种织物、壁纸、地毯和家具等。其设计在否定当时机械化样式缺少曲线变化的前提下,运用啦自然界有机物(如花草)的方式,并加以变形,使装饰纹样呈现出变化丰富的曲线,富有生机和运动感。它们和曾经风靡欧洲、有强烈装饰感的巴洛克和罗可可(见巴洛克、罗可可)的曲线风格有千丝万缕的联系。这种风格很快在建筑造型、室内装饰、园林艺术、书籍装帧等各种工艺美术设计中表现出来,并影响啦整个欧洲设计界。拉斯金和莫里斯的言行使其走进一个具有历史意义的怪圈:他们从审美角度反对工业化时代生活用品的机械生产及其造型样式,但他们号召人们把生活用品的设计与其功能相结合,并身体力行。所以,实际上是在引导人们对产品(不论是手工还是机器产品)设计与其功能的关系予以特别重视,指出啦正确的设计方向,极大地推动啦工业产品设计这一新生事物的发展。 新艺术运动(Art Nouveau) 是工艺美术运动在法国的继续深化和发展。法国设计师兼艺术品商人萨穆尔·宾于1895年在巴黎开设啦设计事务所“新艺术之家”,并与几个同行朋友合作,决心改变产品设计现状。他们推崇艺术与技术紧密结合的设计,推崇精工 *** 的手工艺,要求设计、 *** 出的产品美观实用,他们对建筑、家具、室内装潢、日用品、服装、书籍装帧、插图、海报等进行全面设计,力求创造一种新的时代风格。他们在方式设计上的口号是“回归自然”,以植物、花卉和昆虫等自然事物作为装饰图案的素材,但又不完全写实,多以象征有机形态的抽象曲线作为装饰纹样,呈现出曲线错综复杂、富于动感韵律、细腻而优雅的审美情趣。在1900年的巴黎国际博览会上,法国设计师的精美作品引起世界广泛关注,在欧美各国引起广泛响应,并使“新艺术之家”的名称不胫而走,故以“新艺术”命名其运动。因此,法国自然成为新艺术运动的发源地和中心。法国新艺术运动的主要作品有:吉玛德设计的巴黎地铁入口;穆卡设计的海报;盖拉德在1900年的巴黎国际博览会上展出的设计作品《新艺术室》;盖勒设计的细木镶嵌家具;查普列特设计的华美瓷器等。还一些平面设计家为商业所做的广告设计,在视觉传达领域的探索中迈出啦之一步。法国设计师不仅通过报刊宣传其主张,还直接向社会推销他们自己设计 *** 的新艺术风格的各种产品,创办设计专门学校,推广设计教育,如盖勒所创办的南希工业艺术联盟学校。小城南希是巴黎之外又一个法国新艺术运动的中心,两地的设计方式各具特色,互相影响。在法国新艺术运动中还涌现出许多成绩卓著的设计团体,如新艺术之家、现代之家、六人集团等,以六人集团的成绩最为突出。这使法国的新艺术运动色彩纷呈。1925年左右,法国的新艺术运动逐渐被装饰艺术运动取代。 维也纳分离派(Vienna Secession 1897-1915) 在奥地利新艺术运动一中产生的著名的艺术家组织。1897年,在奥地利首都维也纳的一批艺术家、建筑家和设计师声称要与传统的美学观决裂、与正统的学院派艺术分道扬镳,故自称分离派。其口号是“为时代的艺术--艺术应得的自由”。在设计地方,其重视功能的思想、几何方式与有机方式相结合的造型和装饰设计,表现出与欧美各国的新艺术运动相一致的时代特征而又独具特色。他们大胆实践,定期举办展览,并在1900年出版啦设计期刊《室内》,在欧洲颇有影响。其代表人物有画家克里姆特;建筑家和设计师瓦格纳、霍夫曼、奥布里奇、莫塞等人。其中克里姆特和霍夫曼最负盛名。瓦格纳则是霍夫曼等人的老师,其设计思想与建筑风格在19世纪80年代已表现出与装饰主义的分流,故被称为分离派运动之父。1895年他在《现代建筑》一书中阐述啦新时代建筑应具备的方式。他设计的卡尔斯帕拉兹车站,具有简洁的方形造型和新艺主术运动风格的装饰细节,是分离派的早期佳作。画家克里姆特是分离派组织的之一任主席,被誉为“奥地利最伟大的画家”。他创作啦大量崖壁画,其方式与室内设计高度和谐。他打破传统的绘画方式,以金属般绚丽辉煌的色彩和一维平面效果,运用富有象征意义的方式语言,表现出强烈的华丽风格与工艺化的精美,呈现强烈的装饰性。其代表作有绘画《吻》、壁画《哲学》、《法学》、《贝多芬雕像装饰壁画》等。1903年,霍夫曼在银行家支持下,在魏恩市组织啦维也纳工作同盟。他和莫塞担当艺术指导,从事家具、室内金属器皿的设计,并由同盟的作坊进行生产。其产品造型呈几何形态,很少装饰,力求艺术与技术完美结合,体现产品的实用性。霍夫曼在设计中表现出与普遍的曲线风格不同的直线风格,更加接近现代设计。他的由纵横直线构成的洗练的方格网装饰特征,成为象征分离派设计风格的鲜明符号。1904-1910年,他承担啦布鲁塞尔郊区斯托克列宫的建筑设计。其方形的造型单纯、严谨,室内空间宽敞、墙面平直,是其最首要的代表作。室内陈设、餐厅的大型壁画则由克里姆特设计 *** 。壁画中图案化的人物形象和装饰花纹,是用玻璃、马赛克、珐琅、金属、廉价宝石镶嵌而成,华美异常,使斯托克列宫成为集分离派之大成的佳作。其他人的创作也成就颇丰,各具特色。奥布里奇设计的维也纳分离派之家,把单纯明确的几何造型与典型新艺术风格的枝蔓缠绕的花草装饰结合得浑然一体,是分离派代表作之一。莫塞的平面设计成就更大,其美学观点比其他人更加前卫与理性化。其书籍装帧、插图、印染、邮票等地方的设计,多以黑白色为主,明快、大方,更接近现代主义风格。维也纳分离派运动独树一帜,在设计中加进啦新艺术运动风格中较少见的直线和简洁的几何造型,特别注重产品的功能,体现出欧洲设计从摆脱传统到走向现代的过渡风格,影响深远。 德意志制造联盟(Deutscher Werkbund) 德国之一个设计组织,1907年成立,是德国现代主义设计的基石。它在理论与实践上都为20世纪20年代欧洲现代主义设计运动的兴起和发展奠定啦基础。其创始人有德国著名外交家、艺术教育改革家和设计理论家穆特休斯、现代设计先驱贝伦斯、著名设计师威尔德等人。其基地设在德累斯顿郊区赫拉劳。其宗旨是通过艺术、工业和手工艺的结合,增高德国设计程度,设计出优良产品。同盟认为设计的目的是人而不是物,工业设计师是社会的公仆,而不是以自我表现为目的的艺术家,在肯定机械化生产的前提下,把批量生产和产品标准化作为设计的基本要求。它努力向社会各界推广工业设计思想,介绍先进设计成果,促进各界***支持设计的发展,以推进德国经济和民族文化素养的增高。它表明德国在工业设计地方已进入一个新阶段,处于世界领先地位。同盟中的设计师在实践中不断取得前所未有的成就。1912-1919年,同盟出版的年鉴先后介绍啦贝伦斯为德国电器联营公司设计的厂房及其一系列产品:格罗佩乌斯为同盟设计的行政与办公大楼、幕墙式的法格斯鞋楦厂房、陶特为科隆大展设计的玻璃宫;纽曼的商业化汽车设计等,都具有明显的现代主义风格。尤其是对1914年科隆大展的展品介绍,更令人耳目一新。年鉴还及时向人们展示国际工业技术发展新动态,如美国福特汽车公司首创的装配流水线。年鉴还发表不同观点的理论文章,让人们在争论中求得真理。1914年,同盟内部发生啦设计界理论权威穆特休斯和著名设计师威尔德关于标准化问题的论战,前者以有力的论证说明:现代工业设计一定建立在大工业文明的基础上,而批量生产的机械产品必然要采取标准化的生产形式,在此前提下才干谈及风格和趣味问题。这次论战是现代工业设计史上之一次具有国际影响的论战,是德国工业同盟所有活动中最首要、影响最深远的事件。之一次世界大战使其活动中断。但它所确立的设计理论和原则,为德国和世界的现代主义设计奠定啦基础。 风格派（De Stiji） 荷兰现代主义设计运动，产生于20世纪初,是早期国际现代主义设计运动的首要组成部分。风格派本源于荷兰绘画艺术风格(见风格派),但它对设计界的影响巨大,设计界的风格派被看做是现代主义设计中的首要表现形态之一。因风格派创始人、画家蒙德里安曾以“新造型主义”(Neo-plastici *** )为题发表论文,以新造型主义来形容其创作风格,故人们又把风格派称为新造型主义。其设计的代表作有《风格》杂志的封面设计和斯拉拉斯堡的奥伯蒂咖啡馆的室内设计:里特维尔德设计的施罗德住宅、红蓝椅子:奥德设计的乌尼咖啡馆等。风格派画家蒙德里安和杜斯伯格相关风格派的理论著述,是风格派设计的理论依据。 对设计界来说,新造型主义这一名称尤为贴切。风格派主张从理性出发,用抽象的几何结构来表达宇审和自然的普遍的和谐与秩序,探索被事物的外貌所掩盖的规律,这些规律表现啦科学理论、机械生产和现代城市的本质和节奏。其设计界的主要代表人物有设计师里特维德、建筑师奥德等人。他们主张把纯艺术的风格派原则运用在建筑、家具、其他产品和平面设计中,渗透世界,以创造新的世界秩序。他们注重使用和表现新资料、新技术,指出建筑的空间是由功能与和谐两个地方构成,其外观是由其内部空间决定的。他们把风格派绘画艺术的极其简洁有序的造型、色彩和线条的形态,应用到建筑、服装、家具等地方的设计中,并设计啦新的字体和非对称均衡的印刷版面。风格派设计所强调的艺术与科学紧密结合的思想和结构之一的原则,为以包豪斯为代表的国际现代主义设计运动奠定啦思想基础。风格派设计的代表有《风格》杂志的封面设计和斯拉拉斯堡的奥伯蒂咖啡馆的室内设计；里特维尔德设计的施罗德住宅、红蓝椅子；奥德设计的乌尼咖啡馆等。风格派画家蒙德里安和杜斯伯格相关风格派的理论著述也是风格派设计的理论依据。 构成主义(Constructivi *** ) 由俄国艺术家 *** 维奇和塔特林等人在前苏联十月革命后提出的一种艺术理论。在1920年发表的《构成主义原理》中指出,空间只能在其深度上由内向外地塑造,而不是用体积由外向内塑造;造型应注重立体结构;具有形体的资料作为表现因素,每一根线条都应表现事物的内在力量;同时应把时间作为一个要素引入造型之中。塔特林在第三国际纪念塔模型(1919)中,突出表现啦对空间结构的塑造,他注重技术与艺术的融合,使造型艺术走向啦设计的范畴。在标准型多功能家具的设计、折叠型家具等的设计中,都曾应用啦构成主义的手法,体现啦形态上的简化和经济节约的特点。在广告和图形设计领域,构成主义与荷兰风格主义相呼应,体现啦几何形体及空间转换的构思效果,在国际上产生啦一定影响。 包豪斯(Bauhaus) 1919年4月1日在德国魏马成立的一所设计学院,是世界上之一所为培养现代设计人才而建立的学院。虽然仅存14年,但对德国乃至世界的现代设计及其教育的影响不可估量。它在理论和实践上奠定啦现代设计教育体系,培养出大批优秀的设计人才,成为20世纪初欧洲现代主义设计运动的发源地。包豪斯经历啦两个主要发展阶段:①魏马时期(1919一1924),②德骚时期(1925-1933),其名称根据学院所在地而来。格罗佩乌斯(1919-1927年任职)是其创立者和之一任校长。第二任校长是迈耶(1927-1930年任职)。第三任校长是凡德洛(1931一1933年任职)。他们都是当时德国著名建筑师、现代主义设计的先驱,对包豪斯的贡献极大。20世纪初,在大工业迅速发展的推动下,欧洲各国的现代主义设计运动方兴未艾。格罗佩乌斯敏锐地意识到:应建立新型的、专门的设计学院,以培养工业社会所需要的设计人才。他一再向 *** 提出创办以建筑设计为中心的设计专门学校的建议,1919年魏马 *** 表示同意,在合并魏马美术学院和魏马工艺学校的基础上,成立啦包豪斯学院。其德文全称为“Des Staatliches Bauhaus”,即“国立包豪斯”。格罗佩乌斯把德文的建筑(bau)和房子(haus)两词合一而创造啦“Bauhaus”(包豪斯),含意是新型的建筑设计体系,但其设计教育内容包含啦以建筑为中心的所有工业设计。格罗佩乌斯亲自拟定啦《包豪斯宣言》,确信其设计宗旨“艺术与技术的统一”。包豪斯在实践中探索,确立啦现代设计的基本观点和教育方向:①设计的目的是人而不是产品。②设计一定遵循客观、自然的法则。其教育体系、设计理论与设计风格在实践中逐渐成熟、完善。包豪斯的主要教学内容是由艺术和技术构成。其早期的教学体制可称为“工厂学徒制”,学生的身份是“学徒工”,担当艺术方式课程的教师称“方式导师”,担当技术、手工艺 *** 课程的教师称“工作室师傅”,每一门课都由这两种教师共同担负,学校还设立啦木工、陶瓷、编织和印刷工作室,供学生实习,使其兼具艺术和技术能力。包豪斯最首要的成就之一是奠定啦设计教育中平面构成、立体构成与色彩构成的基础教育体系,并以科学、严谨的理论为依据。1923年8-9月间,包豪斯举办啦名为“艺术与技术的新统一”的大型展览会。师生的作品吸引啦欧洲著名的艺术家与设计师,从而进行啦各种学术交流活动,宣传啦包豪斯的设计思想,并将欧洲现代主义设计运动推向 *** 。当时,格罗佩乌斯作啦题为“论综合艺术”的演讲并发送其著作《包豪斯的设想与组织》。其后,他在教学上又作啦较大改革,把数学、物理、化学作为必修课,使教学体系向着更加理性和科学化的方向发展,更加适应大工业生产的需要。由于右翼政治势力的迫害,1925年3月,包豪斯迁至德骚市,开始其发展的第二阶段。1926年,其校名又加上“设计学院”的附名,进一步明确啦学校的性质。教学不再由方式导师和工作室师傅共同进行,而是聘请技术熟练的工匠协助教授工作。德骚包豪斯的教授以本院毕业生为主,如拜耶等人。1925年,该校刊物《包豪斯》出版。1927年,成立建筑系,瑞士著名建筑师迈耶任系主任。这是包豪斯的鼎盛时期。1928年2月,格罗佩乌斯辞职并推荐迈耶担当校长。他进行啦大规模改革,加强啦建筑系的课程,成立啦音乐系,增设啦摄影专业,并增加啦社会学课程,提倡学生积极与社会联系。其进步的政治立场引起当局不满,1930年他被迫辞职。在格罗佩乌斯的推荐下,德国著名建筑师凡德洛出任第三任校长。他继续推行改革,完善以建筑设计为中心的教育体系,并努力使学院实现非政治化。1932年,在纳粹冲人学校大肆破坏后,学校被迫关闭并迁至柏林,以“包豪斯·独立教育与研究学院”命名,在一座废弃的 *** 公司里继续教学。1933年1月希特勒上台,4月,由当时的文化部下令关闭包豪斯并由纳粹军警强行占领学校,8月10日,凡德洛宣布包豪斯永久解散。包豪斯是现代设计的摇篮,其所提倡和实践的功能化、理性化和单纯、简洁、以几何造型为主的工业化设计风格,被视为现代主义设计的经典风格,对20世纪的设计产生啦不可磨灭的影响。 现代主义设计运动 以工业设计为主的现代设计革新运动于20世纪初至30年代席卷欧美。它是在现代科学技术革命的推动下展开的,以大工业生产为基础并服务于整个工业社会。它在理论与实践地方都取得啦丰硕成果,使人的生存环境发生啦巨大变化,也使人们的消费要求和审美趣味发生啦根本性改变。运动中涌现出一批具有民主思想、充分肯定工业社会大机器生产、赞赏新技术、新资料的工业设计的先驱人物。面对时代的挑战,他们提出啦功能主义的设计原则,提倡科学的理性设计并创立啦新时代的设计美学--机械美学。其所设计的简洁、质朴、实用、方便的全新产品,确立啦现代主义设计的方式与风格,标志着产品设计进入现代工业化设计的时代。工业设计开始成为一门独立的学科,成为推动社会经济发展的首要杠杆。独立的设计教育体系也出现啦,并在实践中逐步完善。在欧美各国,现代主义设计运动的发展各具特色。德意志制造联盟的成立、包豪斯的建立与发展、斯堪的纳维亚国家功能主义设计风格的确立、各国专职工业设计师的出现等,表示现代主义设计形态已趋成熟。卓越的建筑师、设计师格罗佩乌斯、科布西耶、凡德洛、赖特等人奠定啦现代主义设计的实践和理论基础。他们提出一系列新的设计思想及其原则,对推动欧美及世界的现代设计具有首要意义。格罗佩乌斯是最早在设计理论上有全面建树的设计师。他明确指出:“应强调机械对工业设计奠定决定作用。”他认为一定贯彻功能之一、方式第二的设计原则,设计应“可以从实际地方完全达到自身的功能目的”,这样设计的产品才是能够应用、信赖、造价低廉和经济有效的。他认为20世纪的设计一定具有鲜明的时代特色,反对装饰和复古主义。他对美学风格的看法作过极具哲理性的阐述:“美的观念随着思想和技术的进步而改变。谁要是以为自己发现啦‘永恒的美’,他就一定会陷于模仿和停滞不前,真正的传统是不断前进的产物。它的本质是运动的,不是静止的,传统应推动人们不断前进。”科布西耶是机械美学的创立者,他赞赏飞机、汽车、轮船的设计,因为这些设计没受到任何传统的束缚,完全是按照功能与技术的要求设计的,是全新的工业产品方式。他认为大工业社会的任何产品,都是某种意义上的机器。他赞美单纯、清晰的几何体。他说:“按公式工作的工程师使用几何形体,用几何学来满足我们的眼睛,用数学来满足我们的理智,他们的工作简直那就良好的艺术。”他主张设计应表现简洁、秩序、逻辑的理性美,应表现出对象本身的直线、比例、空间、体量的美,而不要有附加装饰。凡德洛也强调时代风格,主张设计的现实和功能意义,主张采用机械化、批量化的生产形式。赖特亦强调功能,同时提出“有机建筑”的观点,认为建筑设计应考虑其与环境的和谐、对建筑空间的有机安排与调度、自然资料与工业资料的不同表现力及两者的协调性等。现代派美术对现代主义设计有直接影响。许多现代派艺术家及积极投身到设计及其教育领域,如杜斯伯格、里特维特、康定斯基、克利、伊顿、纳吉等人。一些人在世界之一所设计学院包豪斯任教期间,对现代设计教育体系的形成及其基础课的建设作出巨大贡献。1923年在德国魏马举行的包豪斯作品展,向世界展示啦其成就,使其成为世界性的设计、设计教育和设计理论研究中心。1925-1927年,德国包豪斯的教学体系己趋成熟,各地方工作走上正轨,师生设计成果达到新程度,使现代主义设计运动从尝试阶段进入系统化、科学化的成熟阶段,经受啦时代的考验。20世纪30年代初,由于经济不景气和德国纳粹政权的压制,现代主义设计开始在欧洲衰弱。1937年后,随着包豪斯大批精英移居美国,使欧洲现代主义设计风格融入美国设计体系,在美国雄厚的经济实力的依托下,现代主义设计运动以美国为中心继续开展,形成国际现代主义设计风格。二战后直到70年代,国际现代主义设计思想、原则和风格影响啦整个世界。20世纪80年代,后现代主义艺术和设计思潮兴起,但现代主义的许多设计原则仍然适用,并将随着时代的发展,成为世界设计传统精髓的一部分。 装饰艺术运动(Art Deco) 19世纪20--30年代的欧美设计革新运动。在大工业迅速发展、商业日益繁荣的形势推动下,欧美的工业设计逐渐走向成熟。仍然经常留恋手工业生产的新艺术设计运动,己不能适应普遍的机械化生产的要求。以法国为首的各国设计师,纷纷站在新的高度肯定机械生产,对采用新资料、新技术的现代建筑和各种工业产品的方式美和装饰美进行新的探索,其涉及的范围主要包含对建筑、家具、陶瓷、玻璃、纺织、服装、首饰等地方的设计,力求在维护机械化生产的前提下,使工业产品更加美化。巴黎是装饰艺术运动的发源地和中心,1925年在巴黎举办啦装饰艺术展,装饰艺术运动所以得名并在欧美各国掀起热潮。它受到新兴的现代派美术、俄国芭蕾舞的舞台美术、汽车工业及大众文化等多地方影响,设计方式呈现多样化,但仍具有统一风格,如注重表现资料的质感与光泽;在造型设计中多采用几何形状或用折线进行装饰;在色彩设计中强调运用鲜艳的纯色、对比色和金属色,造成强烈、华美的视觉印象。在法国,装饰艺术运动使法国的服饰与首饰设计获得很大发展,平面设计中的海报和广告设计也达到很高程度。格雷(Eileen Gray)的室内和家具设计,把富有东方情调的豪华装饰资料与结构清晰的钢管家具完美结合。在美国,装饰艺术运动受到百老汇歌舞、爵士音乐、好莱坞**等大众文化的影响,同时受到蓬勃发展的汽车工业和浓厚的商业氛围的影响,形成独具特色的美国装饰风格和追求方式表现的商业设计风格,它们从纽约开始,逐渐从东海岸扩展到西海岸,并衍生出好莱坞风格。尤其在建筑、室内、家具、装饰绘画等地方表现突出。纽约的帝国大厦和洛克菲勒大厦,在整体外观、室内、壁画、家具和餐具等地方的设计,都表现啦典型的美国装饰艺术风格。位于洛杉矶的可口可乐公司大厦,其建筑设计表现出汽车式的流线型形态。美国装饰风格20世纪30年代传至欧洲,使欧洲的装饰艺术风格更加丰富。在英国,装饰艺术风格始于19世纪20年代末,突出表现在大型公共场所的室内设计和大众化的商品(肥皂盒、爽身粉盒等)包装上。伦敦的克拉里奇饭店的房间、宴会厅、走廊和阳台,奥迪安**连锁公司兴建的大量**院等,表现出英国装饰艺术风格与好莱坞风格的结合。装饰艺术运动中表现出的东西方艺术样式的结合、人情味与机械美的结合等内涵,在20世纪80年代,重新受到啦后现代主义设计师的重视。 斯堪的纳维亚设计 斯堪的纳维亚设计风格指的是20世纪30~50年代流行于国际的一种设计风格，以丹麦、瑞典、芬兰、挪威等北欧国家的设计为代表。早在1930年的斯德哥尔摩博览会上,斯堪的纳维亚设计就将德国严谨的功能主义与本土手工艺传统中的人文主义融会在一起。就风格而言,斯堪的纳维亚设计是功能主义的,但又不像20世纪30年代那样严格和教条。几何方式被柔化啦,边角被光顺成S形曲线或波浪线,常常被描述为“有机形”,使方式更富人性和生气。20世纪40年代为啦体现民族特色而产生的怀旧感,常常表现出乡野的质朴,推动啦这种柔化的趋势。早期功能主义所推崇的原色也为20世纪40年代渐次调和的色彩所取代,更为粗糙的质感和天然的资料受到设计师们的喜爱。50年代斯堪的纳维亚设计盛极一时，其朴素而有机的形态及自然的色彩和质感在国际上大受欢迎，成为啦当时欧美更流行的一种设计风格。 流线型风格(Streamlining) 流线型原是空气动力学名词,用来描述表面圆滑、线条流畅的物体形状,这种形状能减少物体在高速运动时的风阻。但在工业设计中,它却成啦一种象征速度和时代精神的造型语言而广为流传,不但发展成啦一种时尚的汽车美学,而且还渗入到家用产品的领域中,影响啦从电熨斗、烤面包机到电冰箱等的外观设计,并形成为20世纪30~40年代更流行的产品风格。在更具商业气息的环境中产生的美国流线型风格正是给现代主义的清高以巨大冲击。流线型在实质上是一种外在的“样式设计”,它反映啦两次世界大战之间美国人对设计的态度,即把产品的外观造型作为促进销售的首要手段。为啦达到这个目标,就一定寻找一种迎合大众趣味的风格,流线型由此应运而生。而大萧条期间产生的激烈的商业竞争,又把流线型风格推向
